CALAMBUR

Reseña: La visita de Safo, de Juan Carlos Mestre, en El Filandón

2012-02-07T20:11:00.000+01:00

El Filandón, suplemento cultural del Diario de León, 18 de diciembre de 2011

Por José Enrique Martínez

Rumbo a Lesbos se va poniendo el sol

En 1983 apareció en la colección leonesa “Provincia” un libro titulado La visita de Safo. Era de un autor “veinteañero” que dos años antes había editado en Barcelona Siete poemas escritos bajo la lluvia. Después, ya sabemos, nadie puede hablar de poesía contemporánea sin haber leído La tumba de Keats y La casa roja. Aquel libro de “Provincia”, distinto ahora, lleva el mismo título con un añadido: La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon; en realidad, se puede decir que es otro libro, o así me lo parece: hay algunos poemas nuevos (unos catorce), de diferentes momentos, y acaso publicados ya en distintos medios; algunos de los poemas del libro inicial sufren un proceso de deconstrucción para ser refigurados después; y en los demás casos, los versos y versículos son reducidos a prosa.
En La tumba de Keats, el poeta Mestre trazó la ecuación entre un libro y un poema, un poema hiperbólico, por lo tanto, anchuroso e inmenso en sus varios sentidos, lleno de fulgores e imbuido de enigmas. Lo recordé al leer el segundo y nuevo poema de La visita de Safo, titulado “Ruiseñor y misericordia”, más de setecientos versos libres y largos, lo que para otro poeta sería ya un libro y en Mestre, copioso y feraz, son sólo las primeras páginas del mismo. Dilatada elegía de amor y muerte es, con título que evoca la celebrada “Oda a un ruiseñor” de Keats. Amplitud de visión e imaginación desenfrenada. Símiles imprevisibles: “Yo, el que te amo como una nave abrazada a la tempestad por un faro”. Poe pedía un poema cuya extensión no impidiera leerlo de una sentada. El de Mestre necesita varias sentadas, si no queremos leerlo como se lee un ensayo o un periódico; y más teniendo en cuenta que el poema se inscribe en lo complejo y no desprecia el enigma, “ruiseñor harapiento enterrado bajo la luna”, ruiseñor que es John Lennon y que es John Keats, pues “aquí, en la conversación con la melancolía de la muerte y las metamorfosis, se llama también John Winston Lennon”. El texto, escrito en un momento actual, inscribe en la actualidad el resto del poemario, inactual como toda poesía que lo sea.
Después, los espacios y los tiempos de La visita de Safo, revisitados ahora, encallan en el amor, la soledad, evocan a Pasolini o a las islas griegas, máscaras de los sentimientos del joven poeta de entonces, entremezclado todo con vivencias posteriores en poemas posteriores también; y encontraremos hermosos poemas, como la elegía a Gilberto Núñez Ursinos, “mi doliente amigo del silencio” o la evocación de Neruda, de la potencia de su voz “levantando bosques con la palabra más verde del cuchillo”; el poeta Mestre rehace totalmente un poema de muchas turbaciones, mientras Mahler sigue prestando su música al amor y yo termino acogiéndome a la esperanza de un verso casi último: “Estamos solos y vamos a ninguna parte, pero mañana será otro día”.

Reseña: La visita de Safo, de Juan Carlos Mestre, en Encuentros de lectura

2012-02-07T19:53:00.001+01:00

Encuentros de lecturas, 15 de diciembre de 2011

Por Santos Domínguez

En la lejanía del llanto mayo es una ausencia, esta ausencia tuya de encontrar ya sólo palomas en tu casa. Así termina Elegía en mayo, el primer poema que Juan Carlos Mestre reconoce como propio. Lo escribió aún adolescente y bajo la conmoción emocional provocada por el suicidio de un joven amigo poeta. Es uno de los textos que forman parte de La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon que publica Calambur. Este volumen recupera La visita de Safo, que apareció en la Colección Provincia en 1983, y añade otros textos de aquella época que estaban dispersos en publicaciones periódicas. Así se reúne por vez primera la poesía juvenil de Mestre, en su forma original o revisada y reescrita desde la búsqueda y la conciencia autocrítica que ha inspirado la labor creativa del poeta. La música y el tiempo, el amor y la palabra, la memoria y el deseo atraviesan estos poemas en los que está en germen el mundo poético de Juan Carlos Mestre y una dicción ambiciosa que amplía los límites del conocimiento a través de la imaginación visionaria y de la potencia metafórica de sus poemas.

http://www.encuentrosconlasletras.blogspot.com/2011/12/navidades-de-libro-poesia.html

Novedad: Jardín del unicornio, de Rafael Pérez Estrada

2012-01-16T22:19:00.001+01:00

Rafael Pérez Estrada
Jardín del Unicornio
Prólogo de Antonio Soler
Colección Calambur 20 Años, 5. 96 p.
ISBN: 978-84-359-231-1. PVP: 10,00 €

En el brillante mundo de los anticuarios londinenses aún hoy es fácil de hallar un Unicornio en venta. El mercader nos explica que el animal está allí por decisión propia.
Rafael Pérez Estrada

La heterodoxia es el mejor término que define a Rafael Pérez Estrada. Fue rompiendo todas las hormas y todas las normas y fue asumiendo un riesgo creativo que él consideraba consustancial con el hecho mismo de escribir.
Antonio Soler

Rafael Pérez Estrada (Málaga, 1934-2000) es un acontecimiento de la imaginación y del lenguaje. Poeta angular e inclasificable de la poesía española contemporánea, actualizó y a la vez trasgredió todos los géneros literarios. Novelas de una sola página, poemas escenográficos, ensayos de una línea, aforismos, bestiarios, tratados… todo cabe en el arca solar de este poeta que cree que el canon posible es la medida del mar y que «poeta es el que espera». Así este libro, Jardín del Unicornio, que sólo vio la luz en una edición de autor en el año 1988, a la espera de ese lector imaginario que sepa desconfiar del poder porque «engendra caballos». No, lejos de las estructuras reduccionistas de la crítica más conservadora, Rafael Pérez Estrada no engendra caballos, engendra unicornios. Todo un tratado de imaginación transgresora, es decir, de poesía, en su «cita urgente con la vida».

Con la aparición de Jardín del unicornio se cierra la

Colección Calambur 20 años:

1. Blas de Otero, Mediobiografía

Edición de Sabina de la Cruz y Mario Hernández, prólogo de Mario Hernández, Calambur, Madrid, mayo 2011, 120 p., 10 €.

2. Carlos Edmundo de Ory, Aerolitos

Prólogo de Félix Grande,

Calambur, Madrid, mayo 2011, 104 p., 10 €.

3. Antonio Pereira, Sesenta y cuatro caballos

Selección de Úrsula Rodríguez Hesles, prólogo de Juan Carlos Mestre,

Calambur, Madrid, septiembre 2011, 144 p., 12 €.

4. Francisca Aguirre, Los maestros cantores

Prólogo de Olvido García Valdés,

Calambur, Madrid, octubre 2011, 64 p., 8 €.

5. Rafael Pérez Estrada, Jardín del unicornio

Prólogo de Antonio Soler

Calambur, Madrid, noviembre 2011, 96 p., 10 €.

Reseña: 28010: Escribir, recomenzar

2012-01-16T22:01:00.006+01:00

Marta Agudo.
28010.
Calambur Poesía, 120. 72 p.
ISBN: 978-84-8359-215-1. 10,00 €.

Por Joan de la Vega, 30 de noviembre de 2011

28010:
Escribir, recomenzar

Algo queda tras una demolición: un solar derruido y, aparentemente, sin identidad. Un amasijo de cables, tuberías y vigas, polvo y mahones decapitados, expuestos a la intemperie, al alcance de quien mira. En este paisaje de desmemoria gris que nos ofrece lo suburbial, todo lo urbano (que nos va rasgando poco a poco los adentros, deteriorando de forma paulatina e imperceptible), no tiene cabida la improvisación, el discurso ni la impostura. Si escarbáramos entre esas ruinas, sin alma y sin espíritu, hallaríamos las piezas, los signos para auxiliar ese edificio de la inocencia y lo cotidiano, supuestamente bello, que un día nos dio cobijo y quizá nos fuera útil. Esas piezas, esos fragmentos con que reponerse y recomponer lo individual tras la asfixia de la incertidumbre vital y la convivencia con lo externo, refugiándolo incluso de nuestro yo más íntimo y obsesivo, son para Marta Agudo las piezas del lenguaje. No se trata de un lenguaje cómodo y reconfortante, el recorrido que nos plantea la autora nace y se desmorona de manera continua en el propio decir y re-nombrarse. Articula un lenguaje medido, propio, afín a su conciencia e identidad. Esa identidad sumamente delicada, viciada, a menudo convaleciente, que va interpelándose bloque a bloque, poema a poema, contra sí misma, desde el desánimo más lúcido y opresivo como punto de arranque para acabar abocando luego su desvelo y sus hallazgos hacia el infinito, hacia su desintegración.

El título del libro nos remite a un código postal de Madrid, un número largo que eclipsa de inmediato el vuelo al que aspiran las letras. En su caso más breves, aunque más tensas e intensas de lo común. La cubierta es suficientemente significativa, nos dibuja un mapa mental, un sinfín de conexiones y desencuentros, de idas y venidas, el sujeto poético: un laberinto complejo de expresiones que fluctúan desde lo oculto, lo subterráneo. A diferencia de su primera entrega Fragmento (Celya, 2004) donde la voz se diluía en un tú distanciado aunque rotundo, 28010 se dicta y dictamina, radicalmente, desde el núcleo del yo: «Me llamo Marta. Me llaman Marta. Fui bautizada en escenarios sin dueño hasta que mis ojos fueron, poco a poco, dilatándose en ficciones». Se inicia así una voz abrupta y desgarrada, de trazo elíptico y conciso, herida e hiriente. La voz de Marta desenmascara y se resiste al dolor (que trata de eludir) mediante cuatro apartados que configuran la ficción a la que nos lleva el uso del lenguaje como el estudio del mismo: «Fonética» (los sonidos, el idioma), «Sintaxis» (el orden, la relación y símbolos sociales), «Geografía» (el espacio, nuestro lugar) y «Secuencia» (lo que sucede, el des-tiempo). Escribir bajo estas coordenadas no es, por tanto, oficio sino más bien un ejercicio insurgente y el único capaz de refundar el yo en estado de quiebra. Recomenzar desde un punto o fisura para llegar a otro e ir componiendo de tal modo una trayectoria hacia la coherencia personal, tal vez sanadora.

Pocas autoras contemporáneas se han arriesgado como Marta a, al igual que Pizarnik, dilucidar la fractura del dolor psíquico y cartografiar la implacable caída y/o renuncia de su propia existencia.

Marta Agudo (Madrid, 1971) es licenciada y doctora en Filología Hispánica. Ha publicado el libro de poemas Fragmento (Celya, 2004). Coeditora junto a Carlos Jiménez Arribas de Campo abierto. Antología del poema en prosa en España (1990-2005) (DVD, 2005), ha coordinado con Jordi Doce el volumen Pájaros raíces. En torno a José Ángel Valente (Abada, 2010). Imparte clases de poesía en Hotel Kafka y es miembro del consejo de redacción de la revista Nayagua. Entre 2004 y 2008 dirigió la colección de poesía y pintura "El Lotófago" de la Galería Luis Burgos.

http://joandelavega.blogspot.com/2011/11/escribir-recomenzar.html

Video de Marta Agudo recitando
http://www.youtube.com/watch?v=4kywa5qN4cQ

Presentación: El gato negro del amor, de Kepa Murua, en Tipos Infames

2012-01-16T07:57:00.000+01:00

La editorial CALAMBUR y la librería TIPOS INFAMES
tienen el gusto de invitarle a la presentación del libro

El gato negro del amor
de Kepa Murua

Intervendrán:
Javier Lostalé, Óscar Santos Payán y Kepa Murua

Jueves 19 de enero de 2012, a las 19,30 h.

TIPOS INFAMES, LIBROS Y VINOS
c/ San Joaquín, 3. Metro Tribunal, Madrid

El niño que bebió agua de brújula, de Julio Mas, entre las obras más destacadas del año en El Cultural

2012-01-06T09:31:00.001+01:00

El Cultural, El Mundo, 30 de diciembre de 2011 – 5 de enero de 2012

ESPECIAL: “Los mejores de 2011”
El niño que bebió agua de brújula, de Julio Mas, en el tercer puesto de entre los cinco mejores poemarios de 2011.

El regreso de los clásicos del siglo XX
Si la cosecha poética de 2010 fue “desigual y dispersa”, 2011 ha supuesto el regreso gozoso de clásicos del siglo XX tan célebres como Pere Gimferrer, Félix Grande, Sánchez Rosillo y María Victoria Atencia. Sólo Julio Mas Alcaraz, más conocido como traductor que como poeta, rompe con lo previsible.

Julio Mas Alcaraz. El niño que bebió agua de brújula.

Este mundo es otro. Fragmentos de lógicas y sueños, El niño que bebió agua de brújula es la ley. Más allá de la irrealidad de Eliot y la rosa de Stein, existe un lugar llamado poesía donde aún es posible la inocencia, enamorarse de un verso. Experimental sin prejuicios, el orden de Mas Alcaraz es desobediencia a lo estipulado: la imaginación salta en mil pedazos cuando la revolución poética estalla. Comienzo de la sinestesia, fin de la metáfora: son cielos cuya agua es aceitosa y mares donde las anclas flotan. Ni una palabra es nuestra. Todas le pertenecen al poeta. Hemos aprendido su idioma para comunicarnos en lenguajes nuevos. Perdamos el miedo a la excelencia. Otra poesía es posible. Otra vida nos espera.

Julio Mas Alcaraz. El niño que bebió agua de brújula.Calambur Poesía, 124. 222 p.
ISBN: 978-84-8359-218-2. PVP: 17,00 €

http://elcultural.es/version_papel/LETRAS/30298/El_regreso_de_los_clasicos_del_siglo_XX

El juramento de la pista de frontón, de John Ashbery, entre las obras más destacadas del año en Babelia

2011-12-28T23:25:00.002+01:00

BABELIA, El País, 23 de diciembre de 2011

Las obras más destacadas por géneros, 2011

Poesía
1.
La gruta de las palabras
Vladimír Holan (Galaxia Gutenberg)
2. Deshielo a mediodía
Tomas Tranströmer (Nórdica)
3. Tierra inalcanzable. Antología poética
Czeslaw Milosz (Galaxia Gutenberg)
4. El juramento de la pista de frontón
John Ashbery (Calambur)
5. El emperrado corazón amora
Juan Gelman (Tusquets)

http://www.elpais.com/articulo/portada/obras/destacadas/generos/elpepuculbab/20111224elpbabpor_8/Tes

John Ashbery
El juramento de la pista de frontón
(The tennis court oath)
Traducción de Julio Mas Alcaraz
Edición bilingüe
Calambur Poesía, 115. 2010
ISBN: 9788483592083
360 págs. PVP: 22 €

Video entrevista a Basilio Sánchez, en Hoy

2011-12-27T22:20:00.000+01:00

http://www.hoy.es/videos/videos-de-hoy/ultima-hora/1293577561001-zona-paso-basilio-sanchez.html

Reseña, El niño que bebió agua de brújula, de Julio Mas

2011-12-24T22:27:00.002+01:00

El Cultural de El Mundo,
9 de diciembre de 2011
Por Ainhoa Sáenz de Zaitegui

Julio Mas. El niño que bebió agua de brújula.

Colección Poesía, 124. 222 p.

ISBN: 978-84-359-218-2. PVP: 17,00 €

Los poetas escriben poesía. Los creadores crean mundos. Para escribir poesía basta saber un idioma y saber escribir. Para crear mundos conviene, además, tener voluntad de dios. Julio Mas Alcaraz (Madrid, 1970) la tiene.
Da vértigo. El niño que bebió agua de brújula no es poesía: es un proceso. Se experimenta ansiedad, fascinación, otros modos de ser humano. No pertenece a la estirpe literaria: comparte ADN con mecanismos artísticos más sensoriales, como la geometría hiperbólica o el cine lírico. Reducir esta poesía a categorías estables, como el irracionalismo o el onirismo, es no leerla en absoluto. Las alucinaciones no son inducidas, sino una decisión de la mente creadora: “respiro pero no logro moverme / si no es un sueño / ni un sueño en el adentro / de un sueño / si a pesar de que luche / no consigo gritar / uno de esos seres deformes / se sienta sobre mí / con una media / en la cabeza / si un olor dulce / a carne cruda”.

Amo de la materia que maneja, Mas Alcaraz gobierna su Niño con mano que no tiembla. Partido en ocho fases más un epílogo (y no sólo), el discurso se abre con el Tiempo 4, porque quien domina el caos puede imponer el orden que se le antoje. Las voces son decenas: Chamán y Hombre, dioses y hombres, animales y hombres, todos coexisten en belicosa paz dentro de este territorio autónomo donde cabe el aire más alto y el mar más profundo, episodios de claustrofobia urbana y la historia universal de la naturaleza virgen.
Poco importa lo lejos que el poeta nos lleve, ni la exultante sensación de sabernos en un bucle del que ni podemos ni queremos salir. Siempre estamos en el mismo punto, es la poesía la que se mueve como los trenes de Einstein. El corazón del poeta es nuestro sitio. “En la mente detenida no existe un lugar del que no forme parte y sea: las cumbres, las piedras, la arena. También soy las orillas. Soy todas esas cosas y todas ellas son yo”. El panteísmo se vuelve ateo: en torno al poeta gira su creación. Nosotros, lectores, sólo somos una criatura más.
Deconstruir el sistema poético de Mas Alcaraz es una utopía a la que nos gusta aspirar: la sintaxis se cierra, el poema se blinda, su lenguaje es una fortaleza en la que nos sentimos a salvo, acogidos por una lógica humanamente posible: “Desnudo, / sobre su piel, heridas rojas / como las que marcan la carne / de los melocotones”. Es la otra revolución tecnológica: el ensamblaje de estos versos no es trabajo manual, sino ingeniería de la mente. La técnica de Mas Alcaraz consiste en secuencias de palabras semánticamente neutralizadas, porque no están ahí para significar nada que los diccionarios tengan previsto: son encarnaciones de ideas, pura sustancia conceptual. “Shaktishiva en gaudia amoris” –el poema epicentro– supone el fin de la metáfora por disolución de la enunciación, la conciencia, la distinción entre yo y lo que no soy yo. Es poesía que funciona como el déjà vu, los sueños o el olvido: los llevamos insertos en el hard drive, pero nuestro cerebro no puede explicarlos, ni siquiera comprenderlos, no digamos ya controlarlos: “Si me preguntas por el orden de la memoria te diré que entiende tu dolor”. Reconozcámonos en el verso, permitámosle que modifique nuestra percepción. Conozcamos más, seamos más.
Describir a este niño y esta agua como poesía postsimbolista no es legítimo. Mas Alcaraz no es postnada ni postnadie. Es su propio poeta, una persona literaria sin deudas. Insultante en su superioridad avant la lettre, El niño que bebió agua de brújula construye un mundo hacia dentro, agujero negro que todo lo absorbe: nuestra posición en el espacio-tiempo, la inteligencia subconsciente, la suma de todos nuestros miedos. “Así guío a mis ojos con tus sueños”. Poesía radical de la imaginación volcánica.

Reseña de Vísteme de largo, de Cecilia Quílez, en Mercurio

2011-12-23T23:42:00.002+01:00

Mercurio, n.º 136, diciembre de 2011
Por Isabel Pérez Montalbán

Cecilia Quílez. Vísteme de largo.
Calambur Poesía, 118. 92 p.
ISBN: 978-84-8359-212-0. 10,00 €.

Vísteme de largo es ya el cuarto poemario de Cecilia Quílez (Algeciras, 1965). En conjunto, su obra configura una lírica fresca, anticonvencional y muy cuidada en la forma. Este nuevo título, tal vez el mejor hasta el momento, no hace sino confirmar la evolución de su estilo, pero va más lejos al profundizar en el lenguaje simbólico y añadir una visión crítica contra los roles establecidos para la mujer y una conciencia de género. Así, la autora se desnuda en busca de la otra que hay detrás del vestido, en su pasado, en su proyección y oponiéndose a los tópicos: “Ni dama, ni niña, ni poeta, ni rara aleación de lo correcto”, o bien: “Detrás de una mujer hay otra mujer”, y más claro en el poema breve: “De pequeña soñaba con un vestido largo. / Necesitaba un cuerpo que lo envolviera. / Ahora necesito otro cuerpo / y otro vestido que ponerme”. Entiéndase el vestido alegóricamente, como símbolo de transformaciones personales, del entorno sociocultural que impone sus reglas y del propio subconsciente.

Como dije de ella con motivo de su anterior entrega, Quílez sabe utilizar la imagen retórica y el ritmo sintáctico para escribir una partitura musical que se deja oír tanto en su música como en sus letras, es decir, en la forma y en los contenidos, logrando el equilibrio entre lo que pretende decir, lo que dice y la posibilidad de que el lector realice su propia interpretación.

De otro lado, siempre tiene esta escritora reminiscencias neorrománticas –inmersas en lo contemporáneo– en la recreación de ambientes, visibles en el uso de determinado vocabulario (ataúd, esqueleto, acantilado, cruces, ciénagas, cancelas, panteón, tumbas, difunto, ángeles o hiedras) y conceptos (rebeldía, sensualidad, trascendencia del yo, idealismo frente a materialismo y desasosiego). Es la suya una escritura que a veces pudiera resultar críptica e irracionalista, pero que no debe confundirse con hermética, ya que revisa aspectos de algunas vanguardias, además del romanticismo mencionado. Así, el surrealismo: “las mujeres bordan cruces en el alma de los peces” o “ya estamos llegando al velo de luna del ojo anciano”, brillante metáfora para hablar de la pérdida de vista o las cataratas. Y el expresionismo, evidente cuando habla del miedo al ángel custodio por cómo “desollaba inocentes y se atusaba el plumaje con los restos de sus entrañas”. Esta profusión lingüística y el juego de paradojas: baile frente a muerte; vestido frente a desnudo (que a su vez opone apariencia y verdad) o infancia frente a madurez, se alterna con otros enunciados concisos y claros.
Vísteme de largo se divide en tres partes: “Silencio sostenido”, que mira la infancia con mirada rebelde; “Dilación del desnudo”, que ahonda en su convivencia con el deseo y el amor; y “Vísteme de largo”, que asume el paso del tiempo, el futuro más adelgazado y la muerte en el horizonte. Están presididos estos poemas por la oscuridad, la noche y el frío, símbolos de la persona/mujer que ha dejado atrás varias mudas de piel y vestidos para saberse otra detrás de la apariencia y lo que fue.

Con este libro, Cecilia Quílez sigue definiendo un imaginario personal pero accesible, aúna lenguaje culto con expresiones cotidianas, a veces infantiles (dibujos animados, piñatas o polo de limón). Y se distingue en una búsqueda incesante de imágenes que merecen citarse: “Anoche no es un pronombre de tu nombre”, “Los amantes agonizan en la oscuridad del libro de las horas” o “Solo los náufragos sueñan con árboles”.

Reseña de Sesenta y cuatro caballos, de Antonio Pereira, en el Filandón

2011-12-21T21:56:00.000+01:00

Mientras voy a un recado

"Filandón", suplemento cultural del Diario de León.
N.º 1259, 27 de noviembre de 2011
Por José Enrique Martínez

“Mientras voy a un recado / y cualquier día no vuelvo”, rezaba Antonio Pereira. Y una mañana no volvió; pero amigos y lectores sabíamos que, en realidad, empezaba a regresar con cada día. Y hoy la ha hecho galopando en Sesenta y cuatro caballos cuidados por Úrsula Rodríguez, la que fue su mujer, Úrsula ciudad, aquella ciudad cantada entre todas las ciudades, como resumen de todas ellas, y presentados por Juan Carlos Mestre, hijo literario y amigo fraternal. Cuando voy pasando las páginas del libro, subido a todos y cada uno de los Sesenta y cuatro caballos respiro el aliento de la poesía. Supongo que le pasa a todo lector de Pereira. Al fin, el gran texto de sus versos y de sus cuentos es un solo cuerpo movido por vientos líricos, los vientos del noroeste acaso, los vientos del alma siempre.
Es más patente lo que digo en los cuentos cortos, descubiertos después como excelentes muestras de microrrelatos, hoy tan en boga, porque condensan un pensamiento o una emoción, porque insinúan más que dicen, intuyen más que constatan, porque la brevedad es su condición, como lo es la densidad y el ingenio, cualidades que afectan por igual a la poesía. Pero también a los demás cuentos los mueven ramalazos líricos, como el lector puede comprobar con la lectura de relatos como “Obdulia, un cuento cruel” o “Un chico de la Cábila”, presentes en el libro que reseño, junto a la mayoría de textos en verso que lo componen. De manera que puede decirse que Antonio Pereira fue y es, ante todo, un poeta, sea en verso o en prosa, como cuentista o como versificador: un poeta que cuenta y canta, que canta y cuenta: Contar y seguir tituló, precisamente, la primera recopilación de su obra poética. En esta ocasión, los Sesenta y cuatro caballos –título procedente del primero de los textos- los ha escogido quien más cerca estuvo del escritor, su mujer Úrsula. El lector puede recorrer estos textos con la cercanía amistosa con que fueron escritos, con la complicidad que el escritor buscó en el lector entregado. No le encontraremos parecidos evidentes con poetas de su tiempo. Él construyó su obra alejado de cualquier estridencia, sin buscar encumbramientos fugaces, sin adscribirse a grupos ni tendencias, con tonalidad amable y con la libertad interior del que tiene algo que decir y lo quiere decir a su manera. Así logró una especie de simpatía sentimental con el lector, como si le hablara en voz baja, como si fuera un amigo que nos hablara y que, por suerte, nos seguirá susurrando al oído palabras como estas: “No hay nada más cansado que el rostro de un domingo / si son las cinco de la tarde y llueve”, o bien: “No es tu mejor amigo quien regresa en la noche / y te trae pensamientos oscuros”, o sugerirnos acaso que “deben ser muy hermosos los pechos de las primas / temblando en los desvanes”.

Antonio Pereira. Sesenta y cuatro caballos
Selección de Úrsula Rodríguez Hesles
y prólogo de Juan Carlos Mestre
Colección Calambur 20 Años, 3. 144 p.
ISBN: 978-84-8359-228-1. 12,00 €.

Entrega del premio Leteo a Ledo Ivo

2011-12-21T21:50:00.000+01:00

Sin la literatura el hombre no sabría nada de sí mismo

Ledo Ivo, Premio Leteo 2011, por una poesía cargada de conciencia social

Joaquín Revuelta / León

El poeta brasileño Ledo Ivo engrosó la importante lista de ilustres escritores, iniciada doce años atrás por Antonio Gamoneda, que han sido distinguidos con el Premio Leteo que otorga el Club Leteo. Aunque este prestigioso premio internacional tiene vocación de continuidad, gracias al apoyo de instituciones como la Fundación Monteleón,de alguna manera puede decirse que con el reconocimiento a este autor que refleja como pocos los dos pilares que sostienen este año el galardón, la conciencia social y un planteamiento moral férreo, se cierra el círculo iniciado con el reconocimiento al Premio Cervantes, con el que Ledo comparte no solo amistad sino una poesía comprometida fruto de las experiencias vividas.

Ledo Ivo recibió el premio de manos del presidente del Club Leteo Rafael Saravia y en presencia del también poeta Juan Carlos Mestre,buen conocedor y admirador de la obra delcarioca gracias a que un día oyó hablar de él a su compatriota, ya desaparecido, Antonio Pereira. La amistad que unía desde la distancia al cuentista y al poeta ha quedado reflejada en algunos comentariosque en su lengua materna tuvo a bien realizar Ledo Ivo en el encuentro que mantuvo por la mañana con los medios de comunicación en Botines.
Dionisio Domínguez, en calidad de gerente de la Fundación Monteleón y director de la Obra Social de Caja España-Duero en León, ejerció de anfitrión y se mostró muy satisfecho de poder contar en León con un autor de la talla humana y literaria de Ivo, al tiempo que reiteró el firme compromiso de la Fundación Monteleón con el galardón en próximas ediciones.
Rafael Saravia reconoció que en las distintas ediciones del galardón ha habido autores más mediáticos, otros menos, pero todos excelentes escritores. Saravia confesó su satisfacción porque el galardonado de este año vuelva a ser un poeta, uno de los principales representantes de la llamada ‘Generación del 45’ en Brasil que consiguieron “romper con la ruptura”, escritores que quisieron “consolidar el lenguaje y el oficio literario”.
En palabras del presidente del Club Leteo, Ledo Ivo ha conseguido todo lo que un poeta, “de manera digna”, puede conseguir, poniendo el acento en aspectos como “la dignidad” y “el sentido moral” que impregnan e iluminan toda la obra de Ivo, hasta ir transformando su realidad, la realidad, en una “realidad poética”, señaló.
El poeta y académico Ledo Ivo recordó que la primera vez que tuvo conocimiento del galardón fue en un viaje en avión desde Veracruz hasta México. Un pasajero se dejó en el asiento El País, donde venía la noticia de que al escritor norteamericano Paul Auster se le había concedido en León el Premio Leteo. “En aquel momento pensé que nunca un autor de un país periférico podría aspirar a unreconocimiento de este tipo y sin embargo hoy estoy con ustedes”. “Yo siempre digo que no soy un poeta internacional, soy un poeta municipal, por lo que no sé realmente qué circunstancias han podido concurrir en esta elección, tal vez el hecho de que en los dos últimos años se hayan publicado en España cuatro de mis libros o que Antonio Pereira, un gran amigo mío, hablara bien de mi trabajo a los jóvenes poetas españoles”.
Para Ledo Ivo todas las épocas han vivido sus crisis y en cierto modo esto es bueno porque mantienen alerta al poeta. Acto seguido hizo una defensa de lo que llamó “la educación estética del poeta” que se basa en el trabajo diario y el estudio de la capacidad y potencialidad del lenguaje. “La poesía para mí es una experiencia personal que busco transmitir al lector por medio del lenguaje”. Pero la poesía, a su juicio, no solo es una expresión de la capacidad creadora del hombre sino también una especie de “memoria del mundo”. En este sentido el poeta brasileño citó la España de Quevedo, Lope de Vega, Góngora, Garcilaso de la Vega, y destacó la función de la literatura como guardián de la memoria del mundo. “Si no existiese la literatura el hombre no sabría nada de sí mismo”, aseguró.
Para el poeta carioca escritores como Shakespeare o Quevedo han hablado más de la verdad del hombre, de su mitología, de su ficción, de su imaginación y de sus pesadillas que cualquier historiador, economista o antropólogo.
Ledo Ivo destacó la importancia de movimientos sociales como el 15-M, “que se está extendiendo por todo el mundo”, aunque aseguró no ser su abanderado, como se llegó a publicar en la prensa. “Este movimiento refleja la inconformidad de los jóvenes ante un escenario económico inquietante”, recordando que cuando era joven tenía la impresión de que había futuro y sin embargo ahora los jóvenes salen de la universidad y no tienenun verdadero proyecto de vida.
Ivo reconoce que su poesía está muy marcada por las “impurezas de la vida” en forma de injusticia social y de miseria, como la que existe todavía en su país, donde a diario nacen en las favelas miles de desheredados de la fortuna.
Aunque su trayectoria literaria abarca más de sesenta años, el poeta brasileño confiesa que todavía le queda algo que decir, aunque no logra precisar qué, definiéndose a sí mismo como un “poeta incompleto” que hoy sin embargo volverá a dar otra lección magistral de vida y literatura, en compañía de Gamoneda, Mestre y la viuda de su amigo Pereira, a las 12:00 horas en la sala de Santa Nonia.

Reseña: 28010, de Marta Agudo

2011-12-13T18:04:00.002+01:00

Cuaderno de notas de A. T., 12 de noviembre de 2011
Por Antonio Tello

Con 28010 (Calambur, 2011), Marta Agudo fundamenta el decir poético como código que domicilia la identidad en el mundo y cuestiona su dirección a partir del lenguaje, que aquí se revela materia maleable y corregible. Con este poema, la poeta construye su tiempo, su geografía a la vez que se reconstruye a sí misma como voz en un paisaje donde «la luz fracasa».
Juan Luis Panero suele afirmar que en estos tiempos que corren, el problema de muchos poetas, por no decir de la mayoría, es que no piensan. «Escriben versos, pero no piensan», dice. No es el caso de Marta Agudo, quien en 28010 no sólo piensa sino que hace de su pensamiento el móvil de una corrección, de una recreación que, desde el primer latido de la palabra, la devuelve al mundo. A la realidad perceptible del mundo. Partiendo de la idea de que la verdadera patria del hombre es el idioma, MA tiene la voluntad de hacer desaparecer todo vestigio de identidad individual, conduciendo condición temporal hacia el sumidero del yo, para descubrirse, sentirse libre, inocente -...en la explanada de la palma poder sembrar carteles, opúsculos, las cadencias de mi sintaxis o la precocidad de un niño...- y viva.

¿Qué fue primero, el nombre o el verbo? se pregunta MA y sobre esa incertidumbre levanta su poema como una desesperada voz, como una argamasa que pretende cubrir las junturas dúctiles, pero también las fracturas y contradicciones de una lengua, que es yo, carne consciente inferida de tiempo. Formulación de una sintaxis dislocada que se balancea con temerosa cadencia al borde del abismo. Una sintaxis ante el espacio que le revela su verdadera escala y su finitud.
Entonces ¿hacia dónde trazar la fuga? Quizás la salvación está en los otros, pero al cabo comprende que en el signo «más» donde el conflicto y sobreviene la parálisis y la certidumbre de no hay rumbos ni decisiones...sintaxis de los prodigios, la relación del yo con sus restantes. Se desgastan las aceras y plagas acorraladas, infecciones aún por explorar, avalancha de vidas que sustentan el engranaje de este mecano de hombres bruscamente verdaderos. Milagro o astucia, ignoro las reglas y voy dando tumbos hasta casa. Cuando llegue patios abandonadas, memorias de oscuros exterminios, aunque, paredes adentro, hexágonos de miel. Este poema sintetiza magistralmente no sólo el sentido del libro, sino, sobre todo, ese estado del vivir con un radical sentimiento de extranjeridad existencial que prolonga en la modernidad una tradición poética enraizada tanto en los poetas bíblicos de Sabiduría o el Eclesiastés, como en los poetas sufíes o los místicos españoles. Aunque, a diferencia de aquéllos, el creador de MA ha sido despojado de su divinidad y se lo percibe luchando por corregir las torpezas sintácticas de su lengua.
http://milecturadelasemana.blogspot.com/2011/11/28010-marta-agudo.html

Marta Agudo. 28010
Calambur Poesía, 120. 72 p.
ISBN: 978-84-8359-215-1. 10,00 €.

Reseña: Sesenta y cuatro caballos, de Antonio Pereira, en Leer

2011-12-12T23:55:00.001+01:00

Leer, n.º 228, Diciembre 2011 – Enero 2012
Por Antonio Delgado

Voces definitivas
La editorial Calambur celebra sus veinte años con la publicación en la colección exclusiva de cinco poemarios, y ha tenido el gran acierto de que uno de ellos sea Sesenta y cuatro caballos, la selecta, hermosa y representativa antología de la obra poética y narrativa de Antonio Pereira (1923-2099) que ha preparado Úrsula Rodríguez Hesles. Antología que es prueba fehaciente de que la escritura de Pereira, hondamente personal, lejos de quedar sometida a travesía de ningún desierto goza del favor de los lectores, incluso por ejemplo de aquellos creadores actuales del microrrelato, que lo tienen como uno de sus raros precursores. Una antología que está ahormada a la singularidad creadora de este autor, para quien, según afirma Juan Carlos Mestre en luminoso prólogo, “lo narrativo en Pereira es su poética. Lo poético en Pereira es su narratividad”.
Por ello aquí se alternan delicadamente los relatos de Recuento de invenciones con los poemas de Meteoros, pues en esos poemas hay una voluntad esencial y benévola de contar, y en los relatos el fulgor y halo misericordioso de las imágenes poéticas, la precisión emocional, lírica, compasiva de las palabras.
El propio Pereira lo dejó dicho en ambos sentidos: “Siempre me he considerado poeta, lo mismo cuando escribo en renglones cortos y medidos que llaman versos que cuando escribo todo seguido”; “En mis libros de cuentos hay textos tan próximos a la poesía que no tendría inconveniente en incluirlos en un Adonais”.

Antonio Pereira.

Sesenta y cuatro caballos

Selección de Úrsula Rodríguez Hesles
y prólogo de Juan Carlos Mestre.Colección Calambur 20 Años, 3. 144 p.
ISBN: 978-84-359-228-1. PVP: 12,00 €

Presentación: El niño que bebió agua de brújula, de Julio Mas, en el CBA

2011-12-09T09:04:00.001+01:00

El Círculo de Bellas Artes y la editorial Calambur tienen el gusto de invitarles a la
videopresentación
del libro
El niño que bebió agua de brújula
de Julio Mas Alcaraz.

Intervendrán:
Julio Mas, como sujeto poético, y Alejandro Céspedes, como narrador.
Leerán poemas del libro:
Juan Carlos Mestre y quizá alguna otra sorpresa...

Martes, 13 de diciembre de 2011, a las 20,00 h.
CÍRCULO DE BELLAS ARTES DE MADRID
Sala Valle Inclán
c/ Marqués de Casa Riera, 2
28014 Madrid

Entrevista a Kepa Murua, en el Diario de Noticias de Álava

2011-12-03T08:38:00.001+01:00

"No me valía la retórica, tenía que ir a la diana; si no, podía caer en lo peligroso de la poesía romanticona"

Diario de Noticias de Álava, 28 de noviembre de 2011
Por David Mangana

Acaba de cerrar su editorial, Bassarai, pero sigue abriendo páginas poéticas. Con 'El gato negro del amor' (Calambur), Murua desnuda una época reciente pulsando los botones de la palabra. Palabra serena para sentimientos intensos. Palabra que se presenta hoy a las 20.00 en Ignacio Aldecoa.
Acaba de cerrar su editorial, Bassarai, pero sigue abriendo páginas poéticas con 'El gato negro del amor' (Calambur).

Amor, identidad, pérdida... ¿Son ejes del 'El gato negro del amor'?
Es una obra muy personal, poemas muy íntimos. Más que del amor se habla del desamor, de la separación entre dos personas que se han querido mucho, que han estado muy unidas, y cómo se encuentran en ese abismo. Corresponde a una época personal muy crítica, a mi divorcio, pero para que no fuera todo tan biográfico, el escritor se da cuenta de que no puede caer ni en el grito, ni en la palabra malsonante, ni en el exhibicionismo. Hace un poemario sobre el desamor, pero con color, basado en el mundo de los gatos.

Que al principio son sombras y luego van cambiando...
Porque el desamor nos lleva a la luz, a la pasión, y, cuando acaba, al vacío, al desasosiego. Y en ese juego de gatos aparece simbólicamente lo que acontece a los seres humanos cuando se aman pero también se pelean en el amor.
Disección en canal, no en caliente...
Hay una cierta distancia y un juego literario. Coloco también otro tipo de realidades, como poemas que remiten a mis padres, un eje simbólico del matrimonio duradero de una generación que hoy en día se pierde, que concebía el amor y la vida de otra manera. En cuanto a la identidad, la voz poética se va colocando en diferentes lugares, y, como el gato, va marcando su terreno.
El marco influye en el retrato...Es envolvente. Es un gato móvil, un amor móvil, metáfora de cualquier situación amorosa en cualquier parte del mundo. Es verdad que la realidad es muy urbana. Se retratan Vitoria, Zarautz, Toronto, Nueva York, como paisaje envolvente.
"Ante las cosas sencillas, que difícil es dar con las palabras en la diana". Y las palabras son diferentes en función de sitio o momento.
Y las palabras no se reconocen como tal. Lo que tú dices, la otra persona no lo entiende con esa misma intención, porque igual está viviendo la situación de otra forma. El desencuentro entre las palabras.
Como un e-mail o un sms no logran a veces transmitir una sensación...
Lo bueno que tiene la poesía es que puede explicar lo que muchas veces no puede explicar el sentimiento más racional o estructural.
Pero es una poesía muy narrativa...
Hay diferentes registros. Algunos narrativos, porque hay que explicar una historia. Otros más líricos, cuando habla el corazón, con sentimientos que muchas veces no sabemos poner en palabras. El poeta se desnuda.
Se deja llevar...
No. El control es exhaustivo. Hay una depuración formal increíble. No me valía la retórica para explicar esto. Tiene que ser una poesía con la que aciertes de lleno. Tienes que ir a la diana. Si no caes en todo lo peligroso que ha caído la poesía más romanticona, la más rosa. Para sustentar ese tema tan manido pero tan difícil en el campo poético, tienes que tener una voz muy serena.
Y que marque los tiempos, como el último 'Falta un poema'.
Al principio hay un pórtico con un primer poema, El nombre de mi vida, y el final sería El reproche de mi vida. Pero falta un colofón para explicar una despedida muy esperanzadora. Pase lo que pase, en el amor lo mejor está por venir.
Son poemas de hace cinco años...
Está escrito entre 2005 y 2006 y fueron para mí un bálsamo en una situación crítica. Una especie de desahogo. Pero para que no se convirtiera en una vomitona radical está la magia, el oficio del poeta que con cierta distancia va introduciendo una trastienda literaria.
Y un barbecho, para retocar quizás.
No están nada retocados. Estos libros o se aceptan o no. Si es verdad que sufrí en la escritura -personalmente no lo estaba pasando bien-, en la reescritura me he reído bastante, me he reído de mí. Y también me he dado cuenta de que, aunque estaba hablando de tonos negros y blancos, finalmente es un juego de color, festivo, una alegría del amor. Hay un canto al amor.
'Ahora que no te quiero, puedo decirte que te amo'...
Estamos hechos de contradicciones, de sentimientos difusos. Muchas veces no nos aclaramos con las palabras. La poesía permite eso. Poner en boca de los demás palabras que ellos no tienen, decir cosas que muchas veces el discurso racional no se atreve a decir. Lo haces con arte, con belleza, con ironía.
Y con metalingüística, con la palabra hablando de sí misma...
El lector se reconoce. A lo que aspiro con este libro es a que pueda recorrer un poquito de su propia biografía sentimental.
Un mapa para su propio viaje...
Un mapa donde los lugares los marca mi biografía sentimental. Es un libro profundo, con una carga de saber aceptar la derrota, el perdón; una filosófica no tan evidente; y una especie de humor que salva al final.
¿Y cómo ha sido otro final, el de su editorial, Bassarai?
Bien. Cerrar un ciclo. De hecho, El gato negro... cierra un ciclo también. Seguramente parezca que de un modo casi matemático. Pero no depende de ti, porque por una serie de vicisitudes se ha publicado ahora. Coincide con el final de la editorial, pero ese lado simbólico lo han traído el azar, la coincidencia.
¿Contento con lo aprendido?
Sigo aprendiendo constantemente como escritor. Tengo respeto por el lector, aunque a veces pienso que se equivoca. Y un respeto por el oficio increíble. Todos los días se aprende algo, no sólo las relaciones profesionales sino el modo artesanal de elaborar un libro. El gato negro..., en ese sentido, tiene un saber ser. Lleva el mundo sentimental al simbólico de los animales. No es nuevo. Está en fábulas, novelas, cuentos. Me ha servido para mirar a nuevas realidades como el color, que me sirve para el tiempo. Hay muchas lecturas, y, si el lector las ve, seguramente disfrute mucho más.http://bit.ly/vsPX1z

Entrevista a Kepa Murua, en El País

2011-12-03T08:34:00.001+01:00

La poesía es balsámica para el lector y el autor
El País. Bilbao, 28 de noviembre de 2011
Por Eva Larrauri

Kepa Murua (Zarautz, 1962) estudió Filosofía y Letras en la Universidad del País Vasco y consiguió su licenciatura en Historia del Arte en Oviedo. A mediados de los años 90 del siglo XX regresó al País Vasco y fundó Bassarai Ediciones. Desde entonces mantuvo su trabajo de editor en paralelo a su vida de escritor, pero ninguno de sus libros fue publicado por Bassarai. El pasado verano la editiorial cesó su actividad. Además de una decena de poemarios, es autor de libros de ensayo y varios volúmenes realizados en colaboración con artistas de distintas disciplinas.Kepa Murua anunció el pasado verano el cese de la actividad de la editorial Bassarai. Dejó de ser editor y poeta al mismo tiempo para dedicarse de lleno a la escritura. "Se acabó un ciclo profesional como editor; ahora empieza mi ciclo como escritor. No hay ningún drama por medio", explica con calma. Esta tarde presenta el primer libro de su nueva vida El gato negro del amor (Calambur) en la casa de Cultura Ignacio Aldecoa, de Vitoria (20 horas).

Murua ha escrito ya 11 libros de poesía. "Es un trabajo de fondo. Estoy contento, cuando empecé no pensaba que iba a llegar a crear un cuerpo poético de este calibre", reconoce. El gato negro del amor es un libro autobiográfico en el que Murua abordó la crisis de su divorcio, con un cambio de registró que le llevo a adentrarse en la confesión. "Después del agotamiento físico y mental del anterior libro, Poesía sola, pura premonición, de más de 500 páginas, necesitaba caer en la confesión personal", explica. "Por eso el libro es breve pero intenso, íntimo, en el que se mezclan los sentimientos del amor y el desamor. Volví a la poesía confesional porque necesitaba contar cosas. Tuve que dejar de lado la irrealidad visionaria que aparecía en el libro anterior".
En su poesía Murua huye del artificio; en El gato negro del amor se encuentra minimalista. "Busca una poesía más sencilla, más narrativa, más fácil de entender. El tema del amor está muy manido en la poesía y si no lo tratas bien puede caer en el lado de lo kitsch, de lo más romanticón", añade. "El amor es un tema por excelencia en la poesía, pero a veces se les ha ido a los poetas de las manos. Yo quería una poesía concentrada, sin ningún tipo de retórica, en la que hablara de lo que nos duele y de lo que sufrimos con el amor y el desamor, pero también de la esperanza que nos da. El último poema deja la puerta abierta a la esperanza, a lo bueno que queda por venir".
Escribir un ensayo sobre el amor le parece una tarea imposible. La poesía, en cambio, ha puesto a su alcance imágenes con las que hablar del amor y al desamor con más facilidad, superar el miedo a exhibir su mundo más íntimo. "Es un tema muy espinoso. El poeta tiene que tener mucho respeto por lo que dice y por cómo lo va a entender el lector", precisa.
Murua asegura que El gato negro del amor le sirvió de cura. "Es un libro balsámico. La poesía lo es para el lector y el escritor. A la hora de escribir me dolieron algunas cosas, pero al volver a los poemas me he divertido mucho, me he reido de mí mismo al ver que no todo era tan negro. Es un libro con mucho color. El poeta se desnuda con un tema en el que no todo es sufrimiento, con una visión en calma. Finalmente, se descubre una fiesta del amor".
Nunca antes escribió un libro tan vinculado a su experiencia personal. "A veces se olvida que la ficción también es parte de la poesía. No por colocar un yo por delante es el poeta el que lo ha hecho. El poeta se puede meter en el cuerpo de otros y escoger otras voces", recuerda. No ocurre en esta ocasión y la utilización simbólica de los gatos ha ayudado a disimular el carácter autobiográfico de los poemas. "Cada gato se corresponde con un estado de ánimo, cada gato es de un color. Ahí encontré lo que yo llamo el aparato literario del libro", cuenta el autor. Y para hablar de otro amor Murua llevó a su libro la unión de sus padres. "Para que el libro no fuera una caída sin frenos al abismo, coloco, como una parte sustancial de mi biografía, el matrimonio duro y eficaz, tierno y amoroso, a su vez, de mis padres", dice. "Si bien no nos enseñaron a amar, nos mostraron en cambio su cariño".El gato negro del amor es un libro viajero. Murua empezó a escribir los poemas en Londres, en 2005. Continuó el trabajo en Toronto y Nueva York y lo acabó en Vitoria en 2006. "Yo reconozco en cada poema donde está escrito. Cada uno de ellos tiene un paisaje diferente", afirma. Algunos acaban de cuajar, cree Murua, en el momento que se leen en voz alta ante el público. "Sin lectores, sin un público que escuche, el escritor no es nadie. Prefiero leer los poemas yo mismo porque cuando los he oído en otras voces no me he identificado. En los rapsodas he visto una teatralización que no corresponde con los poemas. La poesía será minoritaria y complementaria, pero siempre tendrá su espacio".http://www.elpais.com/articulo/pais/vasco/poesia/balsamica/lector/autor/elpepiesppvs/20111128elpvas_11/Tes

Entrevista a Kepa Murua, en elcorreo.com

2011-12-03T08:31:00.001+01:00

Los zarpazos y caricias del querer
Kepa Murua presenta hoy su poemario más íntimo, 'El gato negro del amor', en la Casa de Cultura de Vitoria

El Correo, 28 de noviembre de 2011
Por N. Artundo Vitoria

«El uso de los animales en la literatura, desde las fábulas, es una técnica bastante empleada», recuerda Kepa Murua. El poeta presentará hoy 'El gato negro del amor' (Calambur) en la casa de Cultura Ignacio Aldecoa, junto a Alex Oviedo (escritor y editor) y Ángela Mallén (escritora), a las 20.00 horas.
Se trata de «un poemario muy íntimo, personal. Y el tema del amor, si no lo tratas bien, puede ir hacia lo más 'kitsch' o romanticón». El poeta agrega que «es también una catarsis para el lector», con el mensaje de que «lo mejor está siempre por venir».
En esta nueva obra, «los gatos son un símbolo acertado de las relaciones humanas», valora el escritor. Pero también confiesa que «no conocía mucho el mundo de los gatos, y observé tanto a animales domésticos como callejeros -en Londres, Toronto o Nueva York- y hablé con gente que los tiene en su casa», ya que Murua quería que el artificio literario estuviera contenido por la propia etología de estos felinos. «Quería que hablaran por su manera de comportarse de unas relaciones tan complicadas como son el amor y el desamor. O la ternura».

En el libro, aparecen gatos de diversos colores (gris, azul), que hacen referencia a distintos aspectos de las relaciones afectivas humanas. El gato negro que da título al poemario es «el que se te cruza en el amor y te avisa de que algo sucede. En realidad, es para bien», matiza Murua para alejar la figura literaria del tópico del infortunio.
El felino aparece como una voz que reconforta y habla -del futuro, de la nostalgia, del amor y el desamor- al hombre, la voz masculina del poeta. Y es que se trata del trabajo más desnudo y autobiográfico de un autor que hace media docena de años atravesaba un proceso de divorcio. «Lo dejé en barbecho y, cuando lo retomé en el proceso de edición, vi que era más festivo de lo que recordaba, que me reía más de mí mismo, como válvula de escape», comenta el escritor, que también ha incorporado varios autorretratos poéticos «para apuntalar no sólo una voz masculina, sino una con nombre y apellidos».

El final de Bassarai
Con este enfoque, el poeta ha logrado «un poemario que empieza con la superación de unos amantes frente a una ruptura y termina con mucha luz y color». En este camino desde los momentos más bajos y duros hacia la esperanza y la vida, el escritor ha logrado guiar al lector con un trabajo cercano que, como no podía ser menos, engatusa a quien entra en sus páginas.
Pero el libro también tiene una banda sonora en sus palabras, tal y como recogen varios poemas. «La música tiene un lado pesimista maravilloso», describe Murua, que ha reflejado en su libro momentos de «soul o blues poético».
'El gato negro del amor' llega a las librerías en el mismo momento en que 'Poesía sola, pura premonición', del mismo autor, ha sido traducido al rumano. Y pocas semanas después de que Kepa Murua decidiera poner fin a tres lustros de Bassarai Ediciones. «En el equilibrio entre el editor y el poeta, ha vencido el autor», explica y achaca el fin de la editorial a «la transformación del libro tradicional al digital y a la crisis».http://www.elcorreo.com/alava/prensa/20111128/cultura/zarpazos-caricias-querer-20111128.html

Presentación de La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon, de Juan Carlos Mestre, en Sevilla

2011-12-01T10:30:00.001+01:00

Presentación de La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon,
de Juan Carlos Mestre,
en Sevilla.

Presenta: Carmen Camacho

Dentro del ciclo Letras Capitales del Centro Andaluz de las Letras
Jueves 1 de diciembre a las 20.00 h.
Biblioteca Infanta Elena
Avenida de María Luisa, 8
41013 Sevilla

Lectura de poemas de Vísteme de largo, a cargo de Cecilia Quílez, en León

2011-11-29T10:43:00.001+01:00

Lectura de poemas de Vísteme de largo,
a cargo de Cecilia Quílez,
en León
Presenta: Rafael Saravia

Miércoles 30 de noviembre a las 20.00 h.
Librería Alejandría
C/ Fajeros, 2
24002 León
Telf.: 987 875 522

Presentación de Libros de poemas, de Manuel Ríos Ruiz, en Jerez de la Frontera

2011-11-29T10:40:00.001+01:00

Presentación de Libros de poemas,
de Manuel Ríos Ruiz,
en Jerez de la Frontera
Presenta: Pepa Parra

Martes 29 de noviembre a las 20.30 h.
Real Academia San Dionisio de Ciencias, Artes y Letras
Consistorio, 13.
11403 Jerez de la Frontera

Novedad: Oyendo lo que algunos dicen públicamente. Debates con la poesía española, de Jorge Rodríguez Padrón

2011-11-27T23:35:00.001+01:00

Jorge Rodríguez Padrón.
Oyendo lo que algunos dicen públicamente.
Debates con la poesía española.
Calambur Ensayo, 5. 324 p.
ISBN: 978-84-8359-229-8. PVP: 25,00 €.

Con los debates reunidos en el presente volumen, el autor ha querido dilucidar las limitaciones y carencias que, según explica, han impedido el desarrollo en libertad, y con el imprescindible vigor, de la poesía española de treinta y cinco años a esta parte.
Una poesía que, esencialmente, no ha hecho más cosa que repetir lo sabido porque teme correr el riesgo de dar la palabra, y de darse en ella con todas sus consecuencias. Ya así ha sido desde el inicio de la modernidad, parapetada tras un conservadurismo mimético, una pequeñez provinciana, y ajena —por tanto— a toda voz que, aún hablando en su propia lengua, oiga como otra. Poesía investida del prestigio equivocado del éxito (a lo que ha contribuido, desde luego, una crítica incapaz para leer de otra manera); inclinada a la comodidad que ofrece ese lenguaje que el poder considera correcto y conveniente, aunque no se haya querido ver y entender así.

Se reúnen aquí lecturas diversas, reflexiones acerca de cuanto algunos poetas y críticos han declarado, rescates de posiciones que pasaron inadvertidas en su momento y reclaman ahora su vigencia indiscutible, para determinar de esa manera los síntomas de tal escritura demediada, y en muchos casos mediocre, en lugar de limitarse a la anécdota y sus protagonistas, que a ello parece haberse reducido siempre la que se toma por labor crítica y no lo es. Un modo de establecer, cuando menos, una propuesta de categoría para así pensar —de una vez por todas— en la verdad de esta poesía, y no insistir en su reiterativa apariencia, en sus envejecidos criterios de valoración.

Jorge Rodríguez Padrón (Las Palmas, 1943) es doctor en Filología Románica. Catedrático de Literatura. Periodista. Ha sido profesor asociado en la UCM y profesor visitante en la ULPGC (Islas Canarias) y en Bringham Young University (Utah, EE UU).
Aunque en 1968 publicó una breve entrega poética (Geografía e Historia, Mafasca, Las Palmas), se dedica exclusivamente a la crítica literaria, con especial incidencia en la poesía escrita en lengua española a ambos lados del Atlántico. Ha colaborado regularmente, entre otros, en los diarios ABC y Canarias 7, así como en la mayoría de las revistas literarias españolas e hispanoamericanas. Ha preparado diversas ediciones críticas de escritores de España e Hispanoamérica.
Ha publicado: Domingo Rivero, poeta del cuerpo (1967), Tres poetas contemporáneos (1973), Octavio Paz (1976), Antología de poesía hispanoamericana 1915-1980 (1984), Una aproximación a la nueva narrativa en Canarias (1985), Del ocio sagrado. Algunos poetas hispanoamericanos (1991), Lectura de la poesía canaria contemporánea (1991), El pájaro parado. Leyendo a E. A. Westphalen (1992), Primer ensayo para un diccionario de la literatura en Canarias (1992), La palabra dada (1993), El sueño proliferante y otros ensayos (1993), Narrativa en Canarias: compromiso y dimisiones (2002), Salvando las distancias (2002), Conversación en dos días de otoño (2003). Liverpool y otras cosas. Sobre poetas canarios hacia 1940 (2005), El barco de la luna. Clave femenina de la poesía hispanoamericana (2005), El discurso del cinismo (2006), La memoria y sus signos (2007), Alrededores de Liverpool (2009), Dietario del margen (2010).

Presentación: El gato negro del amor, de Kepa Murua, en Vitoria

2011-11-27T23:20:00.001+01:00

Presentación:
El gato negro del amor,
de Kepa Murua, en Vitoria
Presenta: Ángeles Mallén

Lunes 28 de noviembre a las 20.00 h.
Biblioteca Casa de Cultura Ignacio Aldecoa
Paseo de La Florida, 9
01005 Vitoria - Gasteiz

Javier Lostalé escribe sobre Francisca Aguirre

2011-11-24T13:38:00.001+01:00

Correo, 17 de noviembre de 2011

Todo el ser en la palabra

Por Javier Lostalé

La concesión del Premio Nacional de Poesía a la poeta alicantina Francisca Aguirre por su libro Historia de una anatomía, ha sido un acto de justicia poética que celebrarán sus lectores como se celebra la vida en plenitud albergada en una creación cuyos pilares han sido la iluminación de la propia existencia, la pasión por el arte y el sentido hondo de la libertad.

Nacida hace ochenta años, cumplidos el pasado 27 de octubre, Francisca Aguirre perteneció a la generación de mujeres que padecieron primero la guerra en su niñez, y después el sumo dolor de ver como su padre, excelente pintor, era ejecutado a garrote vil en la prisión de Porlier en 1942, a lo que se añadió la situación de humillación y de hambre sufrida por un gran número de españoles. El matrimonio con el escritor Félix Grande y el alumbramiento de su hija, también poeta, Guadalupe, formó una tríada literaria que nunca supuso una hipoteca para la voz honda, enraizada intelectual y emocionalmente en la mejor cultura universal, de Francisca Aguirre que, de un modo único, como lo es siempre el verdadero creador, ha ido construyendo una obra fertilizada por la soledad, el dolor, la fe en la poesía como una fuerza salvadora y el enfrentamiento a la realidad asumiendo sus muchas sombras y también algunos resplandores, como el de la música, tan presente en sus versos. Todo ello impregnado por un "halo de tristeza", como ha subrayado la también Premio Nacional Olvido García Valdés.

Su presencia en la poesía española dejó su primera huella cuando ya tenía 42 años con la publicación de un libro ya clásico, hasta en su título, Ítaca, donde -afirma el profesor y crítico Emilio Miró- "navega desde los mitos perdurables hasta el ser contingente, hasta la confesión autobiográfica y el íntimo monólogo, dando testimonio de un tiempo histórico cruel -los años cuarenta- que se abatió sobre una infancia llena de luz muy pronto sofocada y silenciada". A partir de ese poemario-raíz toda su escritura está empañada de vida respirada hasta la médula, y de una aliento solidario que constantemente trasmina. Algunos títulos imprescindibles son, además del ya citado, Ítaca, Los trescientos escalones, La otra música, Ensayo General, Pavana del desasosiego y Los maestros cantores, todos ellos reunidos en un volumen bajo el título de Ensayo General, publicado en 2000 por la editorial Calambur.
Los maestros cantores acaba de aparecer como libro exento, igualmente en Calambur, con motivo del veinte aniversario de la editorial. Títulos a los que se suman La herida absurda, aparecida en Bartleby, Nanas para dormir desperdicios, editada por Hiperión, y el texto autobiográfico Espejo, espejito. Historia de una anatomía, galardonado con el Premio Nacional de Poesía fallado este jueves, poemario publicado por Hiperión en 2010 tras haber obtenido el Premio Internacional Miguel Hernández- Comunidad Valenciana, es una geografía humana trazada con un pulso narrativo, coloquial a veces, reflexivo siempre, con dosis de ternura y de denuncia, en la que no faltan ni la literatura, ni la música.
Francisca Aguirre forma parte sin duda de la nómina de la mejor poesía española de los últimos cuarenta años, a través de una obra tejida por hilos machadianos y vallejianos, con circulación sanguínea también cervantina e iluminada por su gran fervor por Luis Rosales, del que este año se cumple el décimo aniversario de su muerte. La alta cultura y la cultura popular se enhebran asimismo en ella: todo al servicio de la palabra convertida en ser, dotada de la fuerza y la verdad de un gran corazón.
http://www.elcorreo.com/alava/rc/20111117/cultura/todo-palabra-201111172004.html

Francisca Aguirre

Los maestros cantores
Colección Calambur 20 Años, 4. 64 p.
Prólogo de Olvido García Valdés

ISBN: 978-84-8359-233-5. PVP: 8,00 €.

Reseña: Los bosques de la mirada, de Basilio Sánchez

2011-11-23T19:47:00.001+01:00

Basilio Sánchez
Los bosques de la mirada.

Poesía reunida (1984-2009)
Prólogo de Miguel Ángel Lama
Calambur Poesía, 116. 480 p.
ISBN: 978 84 8359 207-6. 25,00 €.

Cuadernos Hispanoamericanos,
N.º 736, octubre de 2011
Por Ada Salas

Poesía contemplativa, meditativa, la de Basilio Sánchez. Poesía serena. No. Ninguno de esos sintagmas aciertan –no son ciertos, por tanto, o tienden a la falsedad en tanto en cuanto las verdades a medias son, al cabo, mentiras– . Yerran en la medida en que no pasan de la cáscara, una cáscara un tanto coriácea por estar tramada y trabada por el poeta con un saber hacer del que resultan poemas dibujados con el detalle y la naturalidad del más elaborado trampantojo. Poemas-trampa: serenos son su música, el ritmo pausado y pautado de su discurso, la delicada selección y sucesión de las imágenes, tan poco violentas, por elegir un adjetivo del todo ajeno, aparentemente al menos, al universo poético de Basilio Sánchez. Poemas escritos, parece ser, desde el punto de vista del que contempla y da cuenta de lo que contempla, y con la voz lenta del que rumia la vida y lo vivido y medita sobre ellos. Serenidad, meditación, contemplación, ardides que el propio poema despliega para huir de sí mismo: una apariencia perfectamente equilibrada, consistente, reconocible, embridada, que acoge al lector como si quisiera engañarlo. Como si quisiera. Pero poco nos importa lo que quiera el poeta o lo que el poema parece querer, poco debe importarnos.

Triste lectura haríamos de Los bosques de la mirada si no reparamos en que bajo y entre la amable calma de sus arboledas, late lo que puede amedrentar; poemas, bosques, como los árboles civilizados de Claude Lorrain que, siendo en principio meros elementos del paisaje (con toda la carga culturizante, y por lo tanto en cierto modo falseadora, que el término paisaje acarrea), son selvas de profundidad oscurísima. Un estanque, la poesía de Basilio, como el de poema “Cómo pintar un nenúfar”, de Ted Hugues: bajo la superficie apacible y luminosa, esconde un submundo inquietante y amenazador en la tiniebla del légamo. A través de la paz que respiran los poemas de Basilio puede auscultarse el temblor de una erupción contenida. Es a ese temblor al que hay que prestar una especial atención. En ese temblor están la fascinación y la fuerza de su poesía. Para poder percibirlo es necesario apartar el velo de la mansa superficie del estanque, no dejarse engatusar por la claridad de la dicción o la belleza de las imágenes. Una piel-espejismo. Una suavidad formal que aturde con sus reflejos. Si no nos dejamos cegar por ellos y vemos, y leemos, más allá, Los bosques de la mirada crece precisamente sobre una tensa y fructífera paradoja: los poemas parecen lo que no son sin dejar de ser, puesto que todo poema es su forma, lo que parecen.

Basilio Sánchez contempla, y (o pero) lo que contempla no es un paisaje real. Ve y lo que ve son visiones, por mucho que sus protagonistas sean elementos de la naturaleza: las estaciones (el otoño y el invierno, sobre todo), árboles, pájaros, ríos. Un decorado imaginario. Una naturaleza no susceptible de una contemplación pictórica, sino simbólica, onírica, arquetípica, mítica. Se diría que el yo que aparece en los poemas (un yo, por lo general, que el autor hace extraño, anónimo, arquetípico también al referirse a él como “el hombre”) es el que cruza por el templo de la Naturaleza del soneto “Correspondencias” de Baudelaire:

“El hombre que atraviesa entre bosques de símbolos

que lo observan con miradas familiares.”

Si el paisaje exterior lo constituye esa naturaleza simbólica, el “paisaje íntimo”, como señala Miguel Ángel Lama en su prólogo, no es menos simbólico: la ciudad, la casa, la habitación, la que se intuye como biblioteca, la mesa de trabajo. Un espacio que traza círculos concéntricos hacia el útero mismo donde se escribe el poema. Un espacio tan irreal como el exterior, con preferencia por lo cerrado, lo limitado, un “hortus conclusus” habitable y cómodo, sospechosamente acogedor, con mucho de intrincado, y torturado, laberinto interior.

En cuanto a lo meditativo de su lírica, de haber meditación se trataría de una meditación que no piensa, sino que sueña: un sueño que produce, si no “monstruos”, fantasmas, espectros que se mueven sigilosos por las habitaciones de la casa (la banda sonora del universo poético de Basilio está hecha, por lo demás, como corresponde, de sigilo, de murmullos, de susurros), por la casa del poema. Un espacio espectral porque el sueño de Basilio no es el goyesco de la razón, sino el de la memoria.

¿Y qué clase de memoria es la de Los bosques de la mirada? Aquí entraríamos en el meollo, porque lo hay, de la cuestión. Estamos ante una memoria cuya materia es la de la lluvia que aparece en este fragmento:

“De pronto se da cuenta: todo el día lloviendo, desde por la mañana, desde el amanecer, desde el instante antes de empezar a vivir (…) la lluvia, sin embargo, que ha precedido siempre a las apariciones, la lluvia imaginada, presentida, la que sólo está hecha de esta misma sustancia.”

Una memoria, como esa lluvia, imaginada, pre-sentida, construida, habilísimamente, no con la argamasa de los recuerdos, sino con la de las palabras: son éstas, las imágenes que trenzan, por resonancia y por recurrencia, la red de alegorías que tejen los símbolos, las que levantan el escenario de una memoria “en la que no se ha vivido”. La memoria como el gran “gesto simbólico” que aparece en estos versos, con el que aferrarse a lo vivo:

“Como aquel que ha esperado durante mucho tiempo

algún gesto simbólico,

el ademán preciso por el que posponer
la urgencia de la muerte,
así me veis ahora: cruzando las alcobas,
dejando atrás los largos corredores del tiempo
en los que no he vivido,
para abrir las ventanas que se orientan al este”.

El constructo que es la memoria de los poemas de Basilio produce un discurso elegíaco a la inversa; no son los vivos los que añoran a los muertos, sino los muertos los que añoran a los vivos:

“Cuando todo es pobreza, cuando hay muertos

que lloran a los vivos, la conciencia

de saberme vencido tan sólo por las cosas
que no son de este mundo.”

Una memoria que no es, entonces, una mirada hacia atrás, sino hacia dentro: dentro del sueño, de la visión: “Desde dentro los desaparecidos iluminan la tierra”, escribe en uno de sus poemas inéditos, y que no sólo proyecta el pasado sobre el presente, sino que imbrica el uno en el otro. Un pasado, por cierto, que no ha existido, sobre un presente que tampoco existe como tal porque, al estar teñido de pasado, es abordado con la mirada de la evocación, y evocar el presente es anularlo. Un mapa temporal, el de Basilio, profundamente eliotiano: con ojos para ver y oídos para escuchar no lo que tal vez fue, e incluso lo que no pudo haber sido.

Marina Tsvietáieva escribió en “Poetas con historia y poetas sin historia”: “El “yo” del poeta es el “yo” de quien sueña más el “yo” de quien crea la palabra. El “yo” poético no es otra cosa que el “yo” del soñador que ha sido despertado por un inspirado discurso y que sólo se realiza en ese discurso”. Lo que sueña Basilio es el desplegable de su extraña, particular, riquísima memoria; Los bosques de la mirada son el relato de esa memoria soñada:

“Vivo de la mirada de los signos,

de los ojos del sueño,

de todo lo sagrado que hay en la memoria.”

El carácter irreal (imaginado) de lo que se contempla y el carácter soñado de lo que se recuerda redundan, al cabo, si uno, como decía más arriba, no se engaña, en una lectura radicalmente nihilista: como detrás del Retablo de las maravillas cervantino está la nada, lo que nos queda entre las manos, el precipitado de ese mundo mítico colectivo de sus primeros libros, o de ese presente-pretérito personal que se va acercando a un yo más directo en sus dos últimas entregas publicadas, no es más que ceniza. Ceniza, humo: dos motivos recurrentes también en sus poemas, y que en ocasiones remiten a la poesía misma. El poeta crea un mundo que se niega a sí mismo y que viene a ser, por un intrincado camino a la inversa (no por destrucción, sino por construcción) una inquietante afirmación de la inconsistencia de lo real: una sabia prestidigitación que nos sitúa frente al vacío. Un tiempo inmaterial, un espacio que es ruina, una casa, en apariencia sólida, pero

“Una casa en lo alto

en la que nadie entra y de la que nadie sale”

La palabra poética sería así como un conjuro para hacer regresar, de un tiempo que no ha existido, lo que ya murió en un tiempo inexistente:

“con esa claridad que sólo alcanzan

los paisajes del alma, la vida no vivida”.

Antes hablé de la silenciosa banda sonora del universo creado por el autor: un universo de una coherencia difícil de encontrar. No quería terminar sin detenerme en la iluminación (su mundo tiene mucho de cinematográfico). No es, desde luego, un paisaje solar: niebla, bruma, luz matizada, crepuscular (en el atardecer o en amanecer) o noche iluminada siempre, sólo, por estrellas. Y más en penumbra la luz de esos paisajes interiores tan específicamente suyos: lámparas (la lámpara mallarmena sobre el blanco de la página en la soledad de la biblioteca, lámparas de aceite, lámparas de alcohol), la llama de una vela, una linterna… luces (simbólicas, sin duda) que, como en los cuadros de De la Tour, hacen más evidente la oscuridad en la que viven los personajes: una luz que favorece la ensoñación de la escritura, el sueño en el que poder soñar esa memoria, el que permite a Basilio Sánchez “cerrar los ojos” para ver el hermoso y sin embargo desolador, o viceversa, paisaje de Los bosques de la mirada:

“Muchas veces he cerrado los ojos

para que nuestros muertos, a través de nosotros

pudieran recordar”.

Confesiones sobre El gato negro del amor, por Kepa Murua

2011-11-22T18:45:00.001+01:00

Kepa Murua
El gato negro del amor
Calambur Poesía, 126. 96 p.
ISBN: 978-84-8359-227-4. PVP: 10,00 €

Revista Luke, n.º 133. Noviembre de 2011
Por Kepa Murua

Confesiones sobre El gato negro del amor

El gato negro del amor es un libro íntimo. Hoy puedo sonreír al verlo, pero cómo escoció al escribirlo, pues son poemas que responden a una separación donde se plasman los juegos del amor o del desamor, el encuentro y el desencuentro entre las personas, la tristeza o la vaga esperanza de los amantes. No obstante, para que no fuera totalmente biográfico escribí un cuento poético con gatos, un juego sentimental con sus maneras de comportarse, como una realidad paralela en clara alusión a nuestras necesidades y anhelos.El gato negro del amor contiene poemas muy personales que cambian el registro de mi escritura para volcarse en la confesión personal. Es un libro con poemas sentidos, pero si cuando los escribí, sufrí en la escritura, también sufrí en el corazón. Menos mal que mis gritos y preocupaciones no se escucharon más que dentro de las cuatro paredes de mi despacho y detrás de los frágiles tabiques de mi casa. Entre medio, en la corrección última del libro, especialmente en la lectura en voz alta de los poemas, he gozado por lo que he sido capaz de escribir y he saltado de alegría, como un niño, ante la sorpresa de una confesión o ante el dibujo logrado de un paisaje descriptivo y, como un hombre sin complejos, he sido consciente de cómo mi vida cerraba sus círculos con una naturalidad pasmosa.

Puede que nadie entienda esta confesión. Sin embargo, ahora que soy capaz de echar la vista atrás, me río de un Kepa Murua tan serio y al que le preocupaba todo de una manera exagerada. Está bien tener cierta sensibilidad, pero, de la misma manera que no hay que dejar de sorprenderse por lo que se hace, se siente o se escribe, uno no puede ser el mismo ingenuo de siempre, a todas las horas del día y delante de todo el mundo. Podría rematar este apunte diciendo que todo estaba escrito para que así fuera. Podría, además, colocar las razones que envuelven a este tipo de confesiones o análisis –apenas me costaría un segundo–, pero no quiero parecer pretencioso, aunque es así como lo creo. Toda una vida pensando en los libros que voy a escribir en un tiempo futuro y ahora que echo un vistazo atrás, que me paro como nunca antes, veo que todo estaba ahí hasta que pudiera dar forma a mi vida y a la de la gente que me rodea. El presente está para vivirlo, no hay más remedio.
Es un libro de amor, autobiográfico, que comenzó a escribirse en Londres, en 2005, y que, tras su paso por Toronto y Nueva York, fue acabado en Vitoria en 2006. Hay un cambio de voz con respecto a mi obra anterior. Creo que aún existe un eco que desvela la escritura íntima que se vislumbra en No es nada, pero, más allá de la referencia filosófica de este poemario, la voz poética de El gato negro del amor se fija en las embestidas del corazón, “a pelo”, como suele decirse. No obstante, para que la pendiente del desamor no me llevara a la tristeza absoluta y arrastrara a los lectores al desconcierto, y como equilibrio, coloco el amor de mis padres, su concepción del amor, por lo menos su duración. Lo diré de nuevo: para contraponer el dolor del amor, para que el libro no fuera una caída sin frenos al abismo, coloco, como una parte sustancial de mi biografía, el matrimonio duro y eficaz, tierno y amoroso, a su vez, de los padres, que si bien no nos enseñaron a amar, nos mostraron en cambio su cariño.
También he adoptado otros riesgos. En algunos poemas, especialmente en aquellos que habla la amada, por ejemplo, he buscado una voz ingenua y clara, un tanto naif, para sentir la pureza de ese amor o ese deseo trastocado en el mundo de los sentimientos más comunes: el de los celos o la vergüenza, el de la duda o el enfado, el del rechazo o la indiferencia. En otras palabras, el de las tonterías que hacen los amantes. Y he optado por esa voz natural porque no me servían los registros a los que, por lo general, recurre la literatura en estos casos, como los de la locura o el vacío dolientes. Aquí no hay nada de eso, pues aunque se hable de lo que se hable, hay mucho color y, a veces, todo parece una fiesta, un tanto especial, de los sentidos y del cuerpo.
La idea de plasmar el amor bajo la influencia del mundo animal, de los gatos, aunque acertada, no es nueva. No tiene mucho mérito, pero he de reconocer que era cuestión de fijarse y dejarse llevar. Y sin embargo, mi fijación por los gatos –podría decir “por las gatas” perfectamente– fue tan intensa que mientras paseaba observaba los detalles de la vida animal en la ciudad. Los parques, las vías del tren y las calles de los centros urbanos son su refugio. Me pasó en Toronto, donde un gato vivía oculto a los ojos de la gente en el pequeño jardín de la urbanización. Me pasó en Nueva York: estaba solo, abrí el cuaderno y una gata se cruzó en mi camino para que pudiera escribir “El gato desde las alturas”. El poema que da título al libro lo escribí en Carshalton (Londres), en una casa donde un gatazo negro saltaba la valla y me miraba fijamente todas las mañanas cuando a primera hora me acercaba a la ventana de la habitación para mirar qué tiempo hacía. Fue allí cuando comencé a escribir estos poemas autobiográficos en un cuaderno amarillo. Entonces, no sabía lo que me esperaba, pero me he emocionado al leer el libro.
http://www.espacioluke.com/2011/Noviembre2011/luke.html

Presentación de Futuralgia, de Jorge Riechmann, en Santander

2011-11-22T18:34:00.001+01:00

Presentación de Futuralgia,
de Jorge Riechmann,
en Santander.
Presentan: Fernando Abascal y Pablo Escribano

Miércoles 23 de noviembre a las 19.30 h.
Librería Gil
c/ Hernán Cortés, 23
39003 Santander

Presentación de Libros de poemas, de Manuel Ríos Ruiz, en Cádiz

2011-11-22T18:22:00.001+01:00

Presentación de Libros de poemas,
de Manuel Ríos Ruiz,
en Cádiz.
Presenta: Juan José Téllez

Dentro del ciclo Letras Capitales del Centro Andaluz de las Letras
Miércoles 23 de noviembre a las 19.00 h.
Biblioteca Pública Provincial
Avda. Ramón de Carranza, 16
11006 Cádiz

Seminario de poesía con Juan Carlos Mestre, en la FCP José Hierro

2011-11-20T00:44:00.001+01:00

Fundación Centro de Poesía José Hierro
Seminario de poesía con Juan Carlos Mestre
Del lunes 21 al miércoles 23 de noviembre de 2011. De 17.30 a 20.30

Para todos aquellos lectores y escritores de poesía, y para cualquiera interesado en explorar junto al autor la luz de la imaginación sobre la palabra.

Juan Carlos Mestre (Villafranca del Bierzo, León, 1957), poeta y artista visual es autor de los poemarios Siete poemas escritos junto a la lluvia (1982), La visita de Safo (1983), Antífona de otoño en el valle del Bierzo (Premio Adonais, 1985), Las páginas del fuego (1987), La poesía ha caído en desgracia (Premio Jaime Gil de Biedma, 1992), La tumba de Keats (Premio Jaén de Poesía, 1999), libro este último escrito durante su estancia como becario de la Academia de España en Roma. Su obra poética entre 1982 y 2007 ha sido recogida en la antología Las estrellas para quien las trabaja (2007). La casa roja (Calambur 2009) obtuvo el Premio Nacional de Poesía. Recientemente ha visto la luz La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon (2011).

Fundación Centro de Poesía José Hierro
C/ José Hierro, 7
28905 Getafe (Madrid)
Tel. 91 696 82 18
Fax 91 681 58 14

Entrega del Premio Leteo 2011 a Lêdo Ivo

2011-11-19T23:12:00.001+01:00

El próximo viernes 25 de noviembre a las 20,30 horas se entregará en León el Premio Leteo 2011 al poeta brasileño Lêdo Ivo, con la presencia de Juan Carlos Mestre.

El 26 de noviembre a las 12,00 h se celebrará una mesa-coloquio "Cautelas de la mirada: conversaciones con Lêdo Ivo", en la que participarán Lêdo Ivo, Antonio Gamoneda, Juan Carlos Mestre, Úrsula Rodríguez y Emilio Torné.

Los dos actos tendrán lugar en el Salón de Actos Caja España - Duero. C/ Santa Nonia, 4, León.

Reseña: El niño que bebió agua de brújula, de Julio Mas

2011-11-19T22:54:00.001+01:00

Julio Mas Alcaraz

El niño que bebió agua de brújula

Calambur Poesía, 124. 222 p.
ISBN: 978-84-8359-218-2. PVP: 17,00 €.

Encuentros con las letras

11 de noviembre de 2011
Por Santos Domínguez

Los textos de El niño que bebió agua de brújula, el último libro de Julio Mas Alcaraz que publica Calambur, crean su propia lógica, construyen un contenido semántico autónomo y se vinculan entre sí con una sintaxis secreta y coherente.
La vinculación estética de Julio Mas Alcaraz con John Ashbery –de quien hizo una celebrada traducción de El juramento de la pista de frontón– y con Antonio Gamoneda, que firma el texto introductorio, Frontispicio para Julio enloquecido por los límites, lo convierte en un poeta ambicioso y consciente que encarna el modelo de la escritura inconformista y se rebela contra las limitaciones de la realidad, de la existencia y de las palabras, porque vive la “sed de desvarío” que destaca Gamoneda en su presentación y sabe que, como dice el maestro, “la verdad es necesariamente incomprensible.”
El niño que bebió agua de brújula –Nuestras madres, de pequeños, cada mañana, nos daban una cucharada de agua de brújula– es una incursión en el subsuelo del dolor y en la noche, en la pregunta y en el grito, un libro sustentado en la intensidad emocional más que en la articulación racional de la realidad o de las secuencias temporales.
Porque estos poemas organizan su tiempo en “el orden de la memoria” que entiende el dolor y el vacío de las pérdidas. Porque este es un libro dictado por el dolor, escrito con tinta amarga y con la lluvia detenida en el frío de la noche del desamparo y del grito:
En la ira de tu muerte corto mi cara y lleno la ciudad de aullidos.
Este es un libro visionario, duro y punzante en el que los abismos existenciales y los vacíos vertiginosos se salvan a través de la palabra y la memoria, porque “el dolor más agudo y lento busca el recuerdo” para recomponer el orden de un mundo que ya es un espejo roto en mil fragmentos.
Y desde lo mineral, desde la degradación de lo vegetal y los bosques incendiados, desde los pájaros enfermos, el poeta se remonta a las montañas, baja a los infiernos, a los desiertos dunares y a los mares contaminados para remontarse al árbol y exprimir la pulpa de la granada y para oír la circulación de la savia blanca de la higuera.
Porque al final, como en el Canto de San Juan que cierra este libro, aquí se celebra un nacimiento, no una muerte.

http://encuentrosconlasletras.blogspot.com/2011/11/el-nino-que-bebio-agua-de-brujula.html

Francisca Aguirre, Premio Nacional de Poesía 2011, por Historia de una anatomía (Hiperión, 2010)

2011-11-17T15:00:00.001+01:00

Francisca Aguirre ha sido galardonada hoy con el Premio Nacional de Poesía 2011, por Historia de una anatomía, editada por Hiperión, en 2010.

Esta obra fue además Premio Internacional de Poesía Miguel Hernández 2011.

Enviamos, desde aquí, nuestra más sincera felicitación a nuestra querida Paca Aguirre, y a la admirada editorial Hiperión, por este premio tan merecido.

Francisca Aguirre acaba de publicar en Calambur, hace un mes escaso, Los maestros cantores.
Francisca Aguirre. Los maestros cantores.
Colección Calambur 20 Años, 4. 64 p.

Prólogo de Olvido García Valdés
ISBN: 978-84-8359-233-5. PVP: 8,00 €.

Los maestros cantores, un libro nunca antes publicado exento, es un sentido e inteligente homenaje de Francisca Aguirre a los escritores que más la han emocionado como lectora y que más la han influido como escritora. Un libro delicioso para compartir entre amantes de la literatura.

"Francisca Aguirre (Alicante, 27 de octubre de 1930) pertenece a la generación de mujeres que tuvieron la vida más difícil de la España del siglo xx, la de quienes eran niñas durante la guerra. Se puede pensar que la de sus madres fue aún más dura, pues, adultas ya, tuvieron que encarar penuria y sufrimientos día a día, pero no lo creo: despertar a la vida, adquirir conciencia (aquello que se llamaba «uso de razón») durante una guerra civil —con todo lo que conlleva—, es lo más terrible que le puede ocurrir a un ser humano.
Compuesto entre 1992 y 2000, en Los maestros cantores la autora hace ejercicio de gratitud y admiración por aquellos, tantos, que literalmente le han salvado la vida; son los hombres y mujeres que han acompañado su trayectoria espiritual, intelectual y moral. Se trata de un libro afirmativo y emocionante, que hilvana el diálogo con los nombres amados, dejándose conducir por su energía. El arte cura, sí, o, dicho de otro modo, sólo en el terreno del arte —vale decir, de la poesía— halla sentido la vida".

Olvido García Valdés, del prólogo a esta edición.

Después de Ensayo general. Poesía completa 1966-2000 (Calambur, 2000), Francisca Aguirre ha publicado La herida absurda (2006), Nanas para dormir desperdicios (2008) e Historia de una anatomía (2010). Su obra ha sido galardonada con los premios Ciudad de Irún, Internacional de Poesía Miguel Hernández y Alfons el Magnànim, entre otros, así como con el Premio de la Crítica Valenciana al conjunto de su obra.

Presentación de La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon, de Juan Carlos Mestre, en Córdoba

2011-11-12T19:14:00.001+01:00

Presentación de

La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon,

de Juan Carlos Mestre,

en Córdoba.

Presenta: Balbina Prior

Dentro del ciclo
Letras Capitales
del Centro Andaluz de las Letras.

Miércoles 16 de noviembre a las 20.00 h.
Delegación Provincial de Cultura de Córdoba
C/ Capitulares, 2
14002 Córdoba

Javier Lostalé lee en La Tertulia, en Granada

2011-11-12T13:56:00.001+01:00

Javier Lostalé leerá poemas de su libro Tormenta Transparente, así como del resto de su obra, en el café La Tertulia, de Granada, el próximo miércoles 16 de noviembre a las 22,00 h.

La Tertulia
Calle Pintor López Mezquita, 3
18002 Granada

Presentación: Del rigor en el juego, de José Ignacio Serra, en el Ateneo (Madrid)

2011-11-09T17:10:00.001+01:00

Presentación de
Del rigor en el juego,
de José Ignacio Serra

Palabras previas: Miguel Losada
Presentan: Ángel Rodríguez Abad y Jesús Urceloy
Viernes 11 de noviembre de 2011 a las 23,00 h
(once del once del once a las once)
Viernes de la Cacharrería
Ateneo de Madrid
C/ Prado 21
28012 Madrid

José Ignacio Serra
Del rigor en el juego
Calambur Poesía, 128. 96 p.
ISBN: 978-84-8359-229-8. PVP: 10,00 €

Novedad: Del rigor en el juego, de José Ignacio Serra

2011-11-08T13:02:00.000+01:00

José Ignacio Serra

Del rigor en el juego
Calambur Poesía, 128. 96 p.
ISBN: 978-84-8359-229-8. PVP: 10,00 €

La obra de Serra, muy personal, nos trae a veces a la memoria el desgarramiento espeluznante, por lo sincero, de Genet y también el misticismo imaginativo de Michaux. Como Cirlot (el primero en envasar sueños) Iñaqui sabe que la única manera virginal de entenderse con lo onírico no está —valga la redundancia— en soñar sueños, sino en crearlos en el plano urgente de lo que racionalmente el artista no llega a entender del todo.
Rafael Pérez Estrada

Bajo la gorra orgasmática de la imaginación está Iñaqui, el poeta con el pecho manchado por la sangre de Tiépolo. Vive en el jardín de los simbolismos. Lo buscan los comisarios de sueños. Pocos tan radicalmente hermosos en la desobediencia y lo oscuro, nadie como él, bebé furioso de Lezama, en la reyerta contra los príncipes del barrio.
Juan Carlos Mestre

José Ignacio Serra (Tarragona, 1961) es poeta, pintor y narrador. Artista en los márgenes de la cultura y la época, su obra, de carácter integral, se desarrolla bajo el juego de la imaginación. Se da a conocer como escritor e ilustrador en los años 90 en revistas como Versión Celeste y plaquettes no venales. Ha publicado los libros de poemas El libro quemado (2000), Pie de druida (2004, Premio Rafael Estrada), La espada en el ágata / Little Killer (2009) y la novela Antología de poetas recién asesinados (2005). Su poesía ha sido recogida en antologías como Poesía Ultimísima, Milenio, Aldea Poética II o La voz y la escritura. Del rigor en el juego es un libro iluminado y disperso en el que se hallan la risa y el sexo, la infancia, el sueño, la locura y la muerte, la metafísica incluso, y las múltiples referencias culturales casi siempre disimuladas y tergiversadas a las que José Ignacio Serra nos tiene acostumbrados.

Encuentro con la poesía de Javier Lostalé

2011-11-06T16:52:00.002+01:00

Encuentro con la poesía de Javier Lostalé
Un buen número de poetas y periodistas amigos se reúnen para celebrar, leer y comentar la obra poética de Javier Lostalé.

Martes 8 de noviembre a partir de las 22,00 h
Café Libertad 8
C/ Libertad, 8
28004 Madrid

Estáis todos invitados.

Reseña: 28010, de Marta Agudo, en Leer

2011-11-06T16:21:00.001+01:00

Marta Agudo
28010
Colección Calambur Poesía, 120, 74 p
ISBN: 978-84-8359-215-1. PVP: 10,00 €

Revista Leer, Noviembre 2011

En la breve ficha sobre Marta Agudo (Madrid, 1971) en éste su segundo poemario, de título 28010, se constata su fructífera dedicación a la literatura y la poesía. Doctora en Filología Hispánica, coeditó una antología pionera, Campo abierto. Antología del poema en prosa en España (1990-2005). Coordinó asimismo con Jordi Doce el exhaustivo volumen Pájaros raíces. En torno a José Ángel Valente. Y además imparte clases sobre poesía y ha participado en distintos proyectos, como la revista "Nayagua".
Quizás parejo al interés demostrado en sus estudios sobre el poema en prosa, y a su visión poética, ambos poemarios —Fragmento (2004) y este 28010— los ha creado Marta Agudo bajo forma de composiciones poéticas en prosa, sólo que en el primero la nítida voz poética se enmascaraba en un tú distanciador. En 28010 en cambio no es el tú sino el yo quien representa a esa voz poética, en orden a concebir un sujeto en quien reconocerse. Voz que se expande en cuatro apartados con la idea de construir esa ficción, tal como en la solapa se pormenoriza: "Fonética" (el idioma), "Sintaxis" (las relaciones sociales), "Geografía" (lugar del reconocimiento) y "Secuencia" (el tiempo). "Similitud el miedo. No hay cordillera sin dos ni zanja sin cuerpo vivo".

"Premio Leteo 2011" para el poeta brasileño Lêdo Ivo

2011-11-05T19:14:00.000+01:00

El poeta brasileño recogerá el galardón el próximo día 25, en un acto que tendrá lugar en la sede de la Obra Social de Caja España-Duero de León

Leonoticas.com

S. Gallo

03/11/2011

El poeta brasileño Ledo Ivo se alzó este viernes con el 'Premio Leteo 2011', según anunció el presidente de este club, Rafael Saravia, quien recordó que la nómina de galardones de este premio, que cumple su duodécima edición, ha sido muy “heterogénea”. Este año se ha querido “rescatar” la figura del “poeta internacional” y dar, al mismo tiempo, una “carga de conciencia” que se cree que tiene la obra de Ivo.
Igualmente, se resaltó el deseo de los miembros del Club Leteo de entregar el premio a un escritor cuya obra no estuviera “sustentada” por la “fantasía”, sino que sus elementos principales fueran la conciencia y un planteamiento moral “férreo”, de ahí que se plantease la necesidad de que el premiado en este 2011 fuera, o bien un ensayista o un poeta.
El acto de entrega de este galardón está previsto el próximo día 25 de noviembre, en la sede de la Obra Social de Caja España-Duero en la capital leonesa, un acto en el que tendrá lugar una charla-coloquio con el autor, a la que podrán asistir todos aquellos ciudadanos que lo deseen.
El acto de entrega del premio será el primero de los actos que se enmarcan dentro de la celebración de las Jornadas Culturales Leteo, que contarán también con una charla-coloquio, el día 26 de noviembre, que reunirá a “dos de los diez poetas vivos más importantes del mundo”, ya que participarán en ella Antonio Gamoneda, El Premio Nacional de Literatura, Juan Carlos Mestre, la viuda de Antonio Pereira, Úrsula Rodríguez, y uno de los principales editores en España de la obra del premiado, Emilio Torné.

El poeta, narrador y ensayista Ledo Ivo nació en Maceió (Brasil) en 1924, y en la actualidad es una de las figuras más destacadas de la moderna literatura brasileña notablemente en poesía. La crítica literaria lo considera la figura más representativa de la Generación del 45, movimiento de reacción estética contra el clima demoledor y anarquista de la primera fase del modernismo, que pregonaba un regreso a la disciplina y al orden.
Como otros poetas de esta generación, volvió a algunas formas poéticas fijas, como el soneto, pero conservando un estilo libre y marcadamente personal. Forjó una fisonomía fuerte y propia, con pleno dominio de la técnica y del lenguaje. Para él, la poesía es una invención de la palabra, una operación verbal destinada a ocultar la vida personal, generando una mitología particular que sustituye la verdad trivial de la existencia.
De su obra, ampliamente premiada, destacan sus novelas ‘Las alianzas’, de 1947, su libro de crónicas ‘La ciudad y los días’, de 1957 y sus memorias ‘Confesiones de un poeta’, del año 1979. Entre sus libros de poesía se encuentran ‘As imaginacoes’ (1944), ‘Oda y elegía’ (1945), ‘Ode ao crepúsculo’ (1948), ‘La ciudad y los días’ (1957), ‘Linguajem’ (1966), ‘Estación central’ (1968), ‘Poesía Observada’ (1967), ‘Las islas inacabadas’ (1985), ‘Crepúsculo civil’ (1990), ‘Curral de Peixe’ (1995) o ‘Nocturno romano’ (1997).

Presentación: Libros de poemas, de Manuel Ríos Ruiz, en el Círculo de Bellas Artes

2011-11-05T12:56:00.000+01:00

El pasado miércoles 2 de noviembre se celebró en Sala María Zambrano del Círculo de Bellas Artes de Madrid la presentación de Libros de poemas (Poesía reunida) de Manuel Ríos Ruiz, quien estuvo acompañado en la mesa por César Antonio Molina, Antonio Hernández y Emilio Torné.
Aquí dejamos un recuerdo del acto.

Con el poeta Javier Lostalé

Con el pintor Gonzalo Torné, autor de la obra que ilustra la cubierta y de las viñetas de interior.

Noticia: Futuralgia, de Jorge Riechmann, en Catalunya Press

2011-11-05T12:00:00.000+01:00

Jorge Riechmann
Futuralgia (Poesía reunida 1979-2000)
Colección Calambur Poesía, 121. 726 p.
ISBN: 978-84-8359-190-1. PVP: 38,00 €

Martes 25 de octubre de 2011
Eduardo Andradas / Catalunya Press

Riechmann: “La poesía es una casa grande con muchas habitaciones”

Buscando el futuro con el poeta Jorge Riechman

Cuando la vida originó a Jorge Riechmann, el futuro peleaba en una mina negra del sudor del carbón en Mieres. Puesta de huelga y comenzada de primavera. En ese 1962 donde EEUU empezaba a incomunicar la economía de Cuba y el mundo estuvo a punto de ser suprimido de átomo y misil.

Este profesor de filosofía moral de la UAM estrenó vida política pidiendo un NO a la OTAN y dotando a su poesía de ecopacifismo.

Jorge, el poeta moderado de voz e inquieto de corazón, es el hilo presente de la poética social, encontrada de libertad.

Su nuevo libro, “Futuralgia”, acumula versos desde 1979, hasta rematar el siglo XX de año 2000. Poemas maniáticos, dolientes y desesperados, que mudan en aventureros y homéricos. Al pasar las páginas, que van derrotando años, las estrofas exhalan amor y a su vuelta cogen una consciencia asociativa y luxemburguista. Viajan, experimentan, luchan de clase y toman partido por el ser humano proletario.

Poesía ecomarxista, a veces modulada como un disco de los Rolling Stones. Y siempre enchufadas al Höfner de cuatro cuerdas de The Beatles.

Jorge Riechmann, el dramaturgo metido a juglar, el deformador de realidades, el madrileño de Unter den Linden y el Lord Byron del ecologismo ibero.

Futuralgia (Editorial Calambur), es la propuesta de este filósofo de los entornos y la etica de la mente. Libro con apariencias de posguerra y que de pronto uno cree que Ángel González pide un café y a Blas de Otero solo le queda la palabra.

Presentación: Libros de poemas, de Manuel Ríos Ruiz, en el CBA

2011-10-30T12:38:00.000+01:00

Manuel Ríos Ruiz

Libros de poemas. Poesía reunida
Calambur Poesía, 125, 560 p.
ISBN: 978-84-8359-226-7. PVP: 30,00 €

Presentan:
César Antonio Molina, Antonio Hernández y Emilio Torné

Miércoles 2 de noviembre de 2011, a las 19,30 h
Círculo de Bellas Artes. Sala María Zambrano
c/ Marqués de Casa Riera, 2. 28014 Madrid

Novedad: Libros de poemas (Poesía reunida), de Manuel Ríos Ruiz

2011-10-29T22:37:00.000+02:00

Manuel Ríos Ruiz
Libros de poemas
Calambur Poesía, 125, 560 p.
ISBN: 978-84-8359-226-7. PVP: 30,00 €

El primer y gran acierto de Ríos Ruiz ha sido desplazar la pasión andaluza del paisaje al lenguaje, de la historia al idioma.
Francisco Umbral

Después de haber editado La memoria alucinada (una amplia antología de su obra poética) y El gran libro del flamenco (enciclopedia en dos volúmenes y libro de referencia para flamencólogos y aficionados al arte flamenco), Calambur pone ahora en manos del lector esta poesía reunida, la totalidad de la obra poética de Manuel Ríos Ruíz, revisada y reordenada por el propio autor. Una obra cuyo acento intransferible, como bien señalara Francisco Umbral, ha sido el de convertir el poema, a través de una permanente reelaboración del lenguaje poético y desde la ya larga tradición del barroco andaluz, en un emisario de las emociones y experiencias tanto individuales como colectivas.
La trayectoria vital e intelectual de Manuel Ríos Ruiz (Jerez de la Frontera, 1934) se ha desarrollado esencialmente en dos ámbitos —la poesía y el flamenco— que conviven en una sola pasión, el lenguaje, devoción en la que se ha asentado la profusa obra poética de Manuel Ríos Ruiz (catorce poemarios hasta el momento) desde sus inicios. Ubicado habitualmente como poeta perteneciente a la difusa generación del sesenta y vinculado al no menos difuso barroquismo andaluz, su poesía se relaciona con otros compañeros de generación y de geografía, como Fernando Quiñones, Rafael Soto Vergés o Ángel García López.
No se trata en su poesía de realizar una operación decorativa desde la abundancia de imágenes y la riqueza léxica, sino de efectuar desde ambas una operación del lenguaje que abra la posibilidad de aquello a lo que Luis Rosales —refiriéndose a Góngora— denominaba la imaginación configurante, esa imaginación que convierte el lenguaje en caja de resonancia para los imprevistos significados. La poesía de Ríos Ruiz se desarrolla en esa temperatura poética en la que, paradójicamente, es la obsesiva construcción lingüística, el énfasis en la elaboración del lenguaje como ser autónomo, la que abre la fisura alucinada por la compleja expresión de la criatura humana. Una poesía en declarada gratitud con la tradición del idioma, de celebración expansiva, tanto formal como emocional en la estela de Whitman, y también de pesadumbre existencial en vínculo con el desengaño barroco o con el existencialismo desintelectualizado de Pavese. También en directa relación con esa otra devoción de Manuel Ríos Ruiz, el flamenco, que no deja de participar desde la raíz en la manera en que el poeta se ha vinculado con la poesía: asumiendo tanto histórica como estéticamente la antropología de la celebración y el duelo, asumiendo el respeto a una tradición y la necesidad simultánea de enriquecerla.
Desde La búsqueda, de 1963, hasta nuestros días, Manuel Ríos Ruiz ha publicado catorce libros de poesía que han sido galardonados, entre otros, con el Premio Béquer (Dolor de Sur, 1969), Boscán y Nacional de Literatura (El oboe, 1970), Nacional de Poesía Flamenca (Razón vigilia y elegía de Manuel Torre, 1978), Premio Villa de Rota (Plazoleta de los ojos, 1981), Juan Ramón Jiménez (Piedra de amolar, 1981) o Premio José Hierro (Juratorio, 1990).

Novedad: Los maestros cantores, de Francisca Aguirre

2011-10-26T23:14:00.002+02:00

Francisca Aguirre
Los maestros cantores
Prólogo de Olvido García Valdés
Colección Calambur 20 Años, 4, 64 p.
ISBN: 978-84-8359-233-5. PVP: 8,00 €

Francisca Aguirre (Alicante, 27 de octubre de 1930) pertenece a la generación de mujeres que tuvieron la vida más difícil de la España del siglo xx, la de quienes eran niñas durante la guerra. Se puede pensar que la de sus madres fue aún más dura, pues, adultas ya, tuvieron que encarar penuria y sufrimientos día a día, pero no lo creo: despertar a la vida, adquirir conciencia (aquello que se llamaba «uso de razón») durante una guerra civil —con todo lo que conlleva—, es lo más terrible que le puede ocurrir a un ser humano.
Compuesto entre 1992 y 2000, en Los maestros cantores la autora hace ejercicio de gratitud y admiración por aquellos, tantos, que literalmente le han salvado la vida; son los hombres y mujeres que han acompañado su trayectoria espiritual, intelectual y moral. Se trata de un libro afirmativo y emocionante, que hilvana el diálogo con los nombres amados, dejándose conducir por su energía. El arte cura, sí, o, dicho de otro modo, sólo en el terreno del arte —vale decir, de la poesía— halla sentido la vida.

Olvido García Valdés, del prólogo a esta edición.

Reseña: Sesenta y cuatro caballos, de Antonio Pereira, en Encuentros con las letras

2011-10-25T22:46:00.000+02:00

Antonio Pereira
Sesenta y cuatro caballos
Selección de Úrsula Rodríguez Hesles
Prólogo de Juan Carlos Mestre
Colección Calambur 20 Años, 3, 144 p
ISBN: 978-84-8359-228-1. PVP: 12,00 €

Encuentros con las letras, 21 de octubre de 2011
Por Santos Domínguez

Una vez estaba en la taberna el poeta inspirado haciendo su papel de poeta inspirado. Todos lo respetamos mucho en sus esperas de la voz misteriosa, aunque nunca se le haya visto una página terminada. Vino un parroquiano de la taberna con la alegría lúcida de los primeros vasos, y fisgó el renglón que campeaba en la hoja: Lenta es la luz del amanecer en los aeropuertos prohibidos. El verso hermoso, todavía único, con que iba a arrancar el poema.
El parroquiano suspiró:
—Es un buen empiece, poeta. Pero ahora qué.

Este es uno de los textos que forman parte de Sesenta y cuatro caballos, la generosa y representativa antología de la obra poética y narrativa de Antonio Pereira (Villafranca del Bierzo, 1923 - León, 2009) que ha preparado Úrsula Rodríguez Hesles y que publica Calambur en la colección conmemorativa de sus 20 años.
Una antología en la que conviven en armonía los poemas de Meteoros con los relatos de Recuento de invenciones, porque, como señala Juan Carlos Mestre en su prólogo El hilo de la cometa, “lo poético en Pereira es su narratividad”.
Pereira compaginó con naturalidad la poesía y el relato, porque sabía que eran géneros afines. Por eso en su poesía hay una clara voluntad de contar y en sus relatos brilla con frecuencia el fulgor de la poesía, la imagen y la palabra, porque hay una serie de vasos comunicantes entre sus cuentos y su poesía: el humor, la sugerencia de la palabra que va más allá de sus límites, la potencia imaginativa o la complicidad con los lectores:

No es tu mejor amigo quien regresa en la noche
y te trae pensamientos oscuros,
el perseguido por papeles de oficio,
el maniático insomne que comprueba las contras
y ve desde tu cama el crespón de la duda.
Apártalo aunque lleve el grosor de tus gafas
y por mucho que tosa aire de tus pulmones.
Lleva tus mismos trajes. Usa tu propio nombre.
Ése no te conviene.

Aunque vinculado a la generación del medio siglo por motivos cronológicos y al grupo leonés por afinidades personales o relaciones de amistad, Antonio Pereira construyó, como poeta y como narrador, una obra profundamente personal, al margen de modas y movimientos episódicos.
Sus primeras publicaciones fueron poemas que vieron la luz en las revistas Espadaña y Alba, y por el camino de la poesía continuaría transitando en sus primeros libros, reunidos más tarde en el volumen titulado Contar y seguir (1972), de título tan machadiano como significativo, porque enuncia la relación profunda que hay entre su obra poética y su narrativa.
Y de ahí la convivencia natural de la poesía y la narrativa en estos Sesenta y cuatro caballos. El propio Pereira lo explicaba así:

“Siempre me he considerado poeta, lo mismo cuando escribo en renglones cortos y medidos que llaman versos que cuando escribo todo seguido.”

“En mis libros de cuentos hay textos tan próximos a la poesía que no tendría inconveniente en incluirlos en un Adonais.”

Esta cuidada antología da un perfil completo del escritor que nos dejó textos memorables como esta Oración que cierra el libro:

Señor ya sabes mis cuidados con el butano y los grifos
todo lo cierro bien pero es difícil desentenderse
inspecciono la antena
las macetas con tantas criaturas que por debajo pasan
sufro mucho Señor
y aunque te agradezco no haberme hecho cirujano
ni conductor del autobús escolar
te pido que un ratito te quedes responsable
que aguantes todo esto mientras voy a un recado
y cualquier día no vuelvo.

http://encuentrosconlasletras.blogspot.com/2011/10/sesenta-y-cuatro-caballos.html

Tres poemas de "Sesenta y cuatro caballos", de Antonio Pereira

2011-10-23T23:40:00.000+02:00

SESENTA Y CUATRO CABALLOS

Los Pereira (o Pereyra) que salen en las enciclopedias heráldicas se nos hacen algo molestos a quienes somos sus parientes de la rama pobre, y es por lo tacaños y esa manera que tienen de saludar, como si diesen los buenos días desde encima de la montura.
Ellos descienden derechamente de don Gonzalo Pereira, pero poco se parecen al antepasado dadivoso.
Lo escribió Pedro de Bracelos: Que teniendo el don Gonzalo treinta y dos caballos, en un solo día regaló todos a distintas personas. La cosa huele a invención y adorno.
Pero sigue la Crónica con que en ese mismo día los volvió a comprar don Gonzalo, aquellos treinta y dos caballos, para así poder regalarlos a otras tantas personas de su estima, y entonces el caso se hace creíble, porque a los bebedores del anochecer nos resulta más fácil aceptar lo enorme que lo mediano.

Antonio Pereira
Sesenta y cuatro caballos

Selección de Úrsula Rodríguez Hesles.

Prólogo de Juan Carlos Mestre.

Colección Calambur 20 años, 3. 144 págs.

ISBN: 978-84-8359-228-1. PVP: 12,00 €

EL PUDOR ERA UN METEORO

El pudor era un meteoro
el pudor era un meteoro como la lluvia y el viento
el pudor era un meteoro como la lluvia y el viento y el fuego de santelmo
el pudor era un meteoro como la lluvia y el viento y el fuego de santelmo y la nieve y el rayo
el pudor era impredecible más que todos los meteoros juntos
porque no hay cabañuelas para el pudor,
sabes que va a llegar,
no dónde, cuándo,
si con la furia de la tormenta,
si en el agua sumisa de las lágrimas.

… Y la tarde pasaba larga larga,
jugando a un botón más, oh riesgo hermoso.

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ORACIÓN

Señor ya sabes mis cuidados con el butano y los grifos

todo lo cierro bien pero es difícil desentenderse

inspecciono la antena

las macetas con tantas criaturas que por debajo pasan

sufro mucho Señor

y aunque te agradezco no haberme hecho cirujano

ni conductor del autobús escolar

te pido que un ratito te quedes responsable

que aguantes todo esto mientras voy a un recado

y cualquier día no vuelvo.

Novedad: La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon, de Juan Carlos Mestre

2011-10-21T12:24:00.004+02:00

Juan Carlos Mestre La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon
Calambur Poesía, 127, 128 p.
ISBN: 978-84-8359-219-9. PVP: 13,00 €

La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon fue desde sus inicios un libro abierto. Juan Carlos Mestre (Villafranca del Bierzo, 1957) lo comenzó a escribir en el verano de 1974, a raíz del suicidio de su amigo, el joven poeta Gilberto Núñez Ursinos, a quien dedica «Elegía en mayo», primer poema que Mestre reconoce como tal. Textos de adolescencia que formaron parte de Siete poemas escritos junto a la lluvia (1981) y que agrupados con las entregas aparecidas en la mítica revista Ajoblanco (1980) o la Nueva Estafeta (1981) conformaron su primer libro, La visita de Safo (1983), finalista en la Bienal de Poesía de León en 1980. Hasta ahí el viaje iniciático, al que se suman poemas de diferentes épocas, editados en revistas como Ínsula (1986) o en diversas publicaciones underground, en un excéntrico proceso de creación.

Alejado del habitual concepto de reedición, este libro reúne por vez primera aquellos poemas, editados ahora en su mayoría sin otras variantes que las tipográficas, y revisitados otros no desde la voluntad de mejora sino desde el cuestionamiento de su propia e ininterrumpida búsqueda. Una búsqueda que nace en la adolescencia del poeta, cruza su primera juventud y desemboca en la incorporación de textos contemporáneos, poemas en la cercanía de Keats quien, aquí, en la conversación con la melancolía de la muerte y las metamorfosis, se llama también John Winston Lennon.

La visita de Safo y otros poemas para despedir a Lennon nos muestra una poética en constante fuga, un diálogo con el amor, con las cifras de su destino y con la plenitud de lo que sin ser definitivo es el testimonio invisible de una conciencia que fue presagio y es ahora anticipación de la futura poesía de Juan Carlos Mestre.

Reseña: 28010, de Marta Agudo

2011-10-19T18:16:00.004+02:00

Marta Agudo
28010
Calambur Poesía, 120, 74 p
ISBN: 978-84-8359-215-1

El Cuaderno
Semanal de cultura de La voz de Asturias
Nº 1 / Domingo 16 de octubre de 2011 de 2011
Por José María Castrillón

La reversibilidad del pensamiento sobre su propia acción impone una doble alianza. Nos permite la adaptación de nuestros planes, la precisión de las actuaciones; nos capacita para la prudencia y el cálculo, para la mentira y su disposición en ficciones más o menos consoladoras e ilusionantes. Pero en la misma medida nos encadena a la duda metódica, a la incertidumbre; nos deja, no pocas veces, al desabrigo de la culpa o de la depresión. Más pronto que tarde, la recursividad del pensamiento conduce al cuestionamiento de la propia identidad: «Yo soy diferente de todas mis sensaciones. No logro comprender cómo. No logro ni siquiera comprender quién las experimenta. Y por cierto, ¿quién es ese yo del comienzo de mi proposición?». Las palabras de E. M. Cioran espigan uno de los polos de la modernidad: la inconsistencia del sujeto, la identidad como problema. La fuerza con la que este asunto enraíza en el discurso posromántico no obedece únicamente a los novedad de su presencia en el acontecer histórico de la literatura, ni siquiera a su entronque con las teorías biológicas y antropológicas modernas, sino a que da testimonio del ser humano como una figura compleja y obsesiva, conformada entre espejos por imágenes proyectadas ad infinitum.En 28010 Marta Agudo (Madrid, 1971) golpea la superficie especular buscando su reverso, intentando comprender la disposición de los espejos, entrever, al menos, su trama. Inútil para el escéptico: tras el espejo, otro espejo; pero la angustia no con-cede y la autora (se) pregunta por su existencia «sitiada en el cero, en la mañana más blanca del mundo». El discurso poético encuentra en la «relación del yo con sus restantes» una salida tan sólo aparente a esa presión inicial; salida en falso puesto que se trata de una relación que se resiente impuesta y opresiva. «No hay tensión más continua que los otros», advierte el protagonista poético —por cierto, con rítmica tensión versal en el contexto del poema en prosa—. Agudo acierta de pleno en la precisión y plasticidad de las imágenes, que dibujan un entorno opresivo (de «ventanas que no cesan de adjetivar») pero inexorable y hasta hipnótico en su deriva hacia los otros, hacia lo ajeno. Se trata de una identidad la del sujeto poético resuelta en pequeños gestos, firmas, nombres, saludos y modos cotidianos que han sido silenciosamente moldeados por una trama heredada y ciertamente imitativa. Si bien el lenguaje recibido, «la madre y el bulto del lenguaje», es la «gran, la grande y más grande quebradura», el territorio deliberativo del poemario alcanza igualmente la combinatoria social, los modos tradicionalmente consignados de estar y ser en la tribu: «La sintaxis del ausente, sus días incrustados. Fascismo de todo tiempo y lugar». Y no es posible ignorar ese hiato existencial, ya que, en efecto, «de nada vale resolver la suma porque es en el signo “más” donde el conflicto».

De estirpe sartreana en su enfoque de los demás y en el extrañamiento propio, los textos apuntan a un sujeto, de continuo, naciéndose; que respira lo propio como extraño; habitante de un lugar —memorable descripción— «en orden y naufragando». Los poemas proyectan un estado de quiebra personal que, afortunadamente, propicia el laboreo de las palabras que tan bien saben conspirar contra lo establecido por los códigos lingüísticos. Sin embargo, la proliferación de nuevos signos externos y propios no cierra heridas: «a más información, mayor el desconcierto».
La búsqueda obsesiva de algún punto de referencia válido, de identificaciones tranquilizadoras, va trazando el relieve de una textura poética abundante en secuencias
apositivas y esquemas copulativos en los que el verbo a menudo desaparece: «la jaula de los seis años, cuando los valles eran valles, los valles lagunas, y las lagunas vergeles en los que el “uno” equivale solamente a “uno”». De este modo, la gramática vuelve más compactas las identidades tratando de equilibrar la ausencia de identificación personal.
El poemario obedece a una pulsión que se revela a través de una suerte de discurso fragmentado, al que Marta Agudo ya había recurrido en su primer libro, Fragmento (Celya, 2004). El lector puede saborear en los silencios intermedios buena parte de la médula de este libro. Son diversos los arranques de cada fragmento y constituyen el nervio del poemario en la medida en que, tras sus huellas, descubrimos la obsesiva construcción de las secuencias o el repentino azar o el salto de un plano a otro de la vida. No se trata, por tanto, de un molde retórico, sino de una dicción, de un gesto del habla poética. De nuevo Cioran ayuda en la explicación: «fragmentos, pensamientos fugitivos, decís. ¿Se los puede llamar fugitivos cuando se trata de obsesiones, es decir, de pensamientos cuya característica principal es justamente no huir?». De este modo, se hacen indisociables los modos de dicción de la voz que los encarna. Porque, en efecto, la arquitectura del poemario (once textos para cada una de las cuatro secciones) no puede entenderse únicamente como cauce que da pausa y dirección al itinerario de las secuencias, sino como símbolo de los códigos rígidos que articulan al ser humano: «¿y para qué otro lugar si la fiebre no me supo feliz y no puedo declinarme de otro modo?».
Zozobra y criterio poético configuran este libro lúcido que reafirma la trayectoria lenta
y fiable de su autora. Para saber más: Marta Agudo, 28010.

Novedad: Kepa Murua, El gato negro del amor

2011-10-18T09:54:00.001+02:00

Kepa Murua
El gato negro del amor
Colección Poesía, 126, 96 p.
ISBN: 978-84-8359-227-4. PVP: 10,00 €

La difícil poesía amorosa, por su uso y abuso, es un tema espinoso y lleno de uñas, como lo es este libro íntimo y de tono autobiográfico de Kepa Murua. El gato negro del amor es un libro que viaja: escrito entre Londres, Toronto, Nueva York y Vitoria-Gasteiz (entre los años 2005 y 2006), y es, a su vez, un viaje hacia la gama de colores que componen la imagen del amor, el desamor y la separación. Personificado el proceso en la elasticidad y ambivalencia del gato (el gato negro, el gato blanco, el gato gris, el gato del silencio, el gato de fuego…), Kepa Murua nos presenta a los personajes que componen este relato (los amantes, los escenarios, la memoria) con su habitual despojamiento retórico y, desde el distanciamiento que otorga el viaje, sin ningún patetismo. Hay dolor, pregunta y desconcierto, y grandes dosis de sinceridad, sobre uno de los recurrentes temas de la poesía, planteado en este libro desde una perspectiva netamente contemporánea.
Kepa Murua (1962) es autor de los libros de poesía Abstemio de honores, Cavando la tierra con tus sueños, Siempre conté diez y nunca apareciste, Un lugar por nosotros, Cardiolemas, Las manos en alto, Poemas del caminante, Cantos del dios oscuro, No es nada y Poesía sola, pura premonición. Ha publicado asimismo libros de ensayo como La poesía y tú, La poesía si es que existe y Del interés del arte por otras cosas, así como varios libros de artista, entre los que destacan, Cuando cierras los ojos, Flysch, Itxina y Faber.

Reseña: Futuralgia, de Jorge Riechmann, en Leer

2011-10-16T11:49:00.001+02:00

Jorge Riechmann
Futuralgia (Poesía reunida 1979-2000)
Colección Calambur Poesía, 121. 726 p.
ISBN: 978-84-8359-190-1. PVP: 38,00 €

Leer, Octubre de 2011
Agustín Delgado

Pensamiento ecológico
La editorial Calambur (que celebra los veinte primeros años de su fecunda existencia) reúne en el volumen Futuralgia los diecisiete poemarios que Jorge Riechmann (Madrid, 1962) escribiera entre los diecisiete y los treinta y ocho años. Desde entonces ha seguido enriqueciendo su trayectoria con nuevos poemarios que darían para un segundo volumen. Una ingente creación la de este poeta, traductor literario con especial dedicación a la obra de René Char, ensayista y profesor universitario de Filosofía moral, centrado principalmente en la ecología política y el pensamiento ecológico. En el prólogo revelador con que el poeta y estudioso de la poesía contemporánea Pedro Provencio introduce el libro ya indica que la poesía de Riechmann está conectada como pocas al devenir cotidiano. Para nadie mejor que el propio poeta traduciendo en el frontispicio de este libro antológico el significado de la palabra futuralgia. “Futuralgia: dolor por la vida que podría ser, por la plenitud que cabría alcanzar. Rabia contra quienes nos amputan nuestras posibilidades mejores, en una época tenebrosa –la nuestra– donde el porvenir se halla trágicamente amenazado. Ardiente desconsuelo, si resquicio por donde pudiera colarse la indecente denigración de lo humano. Ferocidad, ninguna. Pero sí rabia: la rabia de una futuralgia que me abrasa”.
Es decir, lucidez y amor. Como concluye Pedro Provencio en su prólogo: “Esa encrucijada de rebeldía hiperconsciente hacia el exterior –en defensa de la vida común amenazada- y hacia la intimidad –el amor como ceremonia refundiadora– hace de este libro un auténtico signo revelador de los signos de nuestro tiempo”.

Reseña: Mediobiografía, de Blas de Otero, en El Cultural

2011-10-15T16:38:00.000+02:00

Blas de Otero. Mediobiografía
Edición de Sabina de la Cruz y Mario Hernández.
Prólogo de Mario Hernández
Colección Calambur 20 años, 1. 128 p.
ISBN: 978-84-8359-222-9. PVP: 10,00 €
El Cultural, El Mundo, 7-13 de octubre de 2011
A. Sáenz de Zaitegui

“Si algo me gusta, es vivir”. Y vaya que si vivió. Mediobiografía (Calambur, Madrid, 2011) reedita el autorretrato poético de Blas de Otero: más allá de datos sobre sí mismo, el bilbaíno nos comunica impresiones, circunstancias, el impacto de mirar a otro ser humano y verse reflejado en él como en un espejo. Insobornable, infatigable, simultáneamente victorioso y derrotado: la estructura tambaleante que es cualquier vida, apuntalada a base de verso. Para eso necesitamos la ficción: para hacer de la realidad absurda un espacio humano, habitable.

Reseña: Un único día, de J. H. Tundidor, en Cuadernos del Sur

2011-10-13T09:31:00.003+02:00

Jesús Hilario Tundidor. Un único día.
Colección Calambur Poesía, 108. 2 Vols. 920 pp.
ISBN: 978-84-8359-148-2. PVP: 50,00 €

Cuadernos del Sur, sábado 1 de octubre de 2011
Francisco Morales Lomas

Hace unos meses la editorial Calambur publicó Un único día del escritor zamorano Jesús Hilario Tundidor, obra en dos volúmenes y cerca de mil páginas que se considera hasta ahora su obra completa. La poesía de Hilario Tundidor es personal y original.
Tiene un estilo propio, una marca indeleble que concita la nutrición del mundo, del hecho de vivir y del camino y la jornada con un lenguaje creador, aunque inserto en una tradición literaria que llega desde Jorge Manrique y el Renacimiento.
Posee una voz propia, rotunda, castellana, aunque también en ella existen efluvios del Sur, vía JRJ básicamente. Para Hilario Tundidor la poesía es “inteligencia, emoción, intuición y lenguaje”.
¡Cuántas resonancias de Juan Ramón Jiménez! Y esto le permitirá, como en su momento al poeta de Moguer, relacionar inteligencia y poesía, pero en el caso de Hilario Tundidor con una variante manifiesta de la libertad y sus correlatos jugando a la síntesis: “Solo tú inteligencia, puedes darnos el nombre: Poesía, oh, libertad, oh libertad inmensa”.
Y, en esa dinámica creadora, es el signo lingüístico, la palabra (“ácido código”, “inhóspita soledad, cauce imposible de la forma seca”) quien funde y dilata el poema, desvelando y ordenando la realidad: “la realidad real que cerca al hombre y que nunca podremos establecer definitiva en el conocimiento”.
Aunque dividido en dos volúmenes, Un único día ha sido concebido con una voluntad esencial y unitaria, de circularidad, por cuanto Hilario Tundidor ha optado por darle sentido al conjunto desde la ordenación sistémica del mismo en dos grandes apartados que llevan al final un colofón (el poema último) a modo de cierre; pero también por las palabras de la Addenda en la que el poeta explica la razón de ser de Un único día como una síntesis entre un intento por comprender el mundo y su luminosidad junto al encuentro del ser en una dialéctica profundamente conmovedora.
La ensayista Giuliana Baita hablaba también de dos épocas en su obra: “El vivir y su entorno” para los libros de la primera época y “La poesía ontológica”, para la segunda. En la primera habría una visión existencial máxima, una inmediatez geográfica emocional de implicaciones personales y reflexiones críticas de carácter testimonial que
trascienden la objetivación específica como ha dicho Artuñano: “En esos reflejos
mi tono poético nunca ha sido, plenamente, ni testimonial ni crítico hasta ahora, sino reflexivo”.
La unidad del libro, salvo Pasiono, no se presenta en aspectos argumentales temáticos sino emocionales. En la segunda, cada libro, “refiriéndome exclusivamente a la construcción formal ofrece una estructura orgánica de argumento unitario, bien en su totalidad (Libro de amor para Salónica, Mausoleo, Construcción de la rosa) bien en cada una de sus partes (Repaso de un tiempo inútil, Tejedora de azar y el mismo Tetraedro)”. Pero esta elaboración en dos apartados, desde el punto de vista crítico, no debe verse como compartimentos estancos.
En el primer volumen, que lleva por título Borracho en los propileos (1960–1978), reúne los siguientes libros: Río oscuro (1960), Junto a mi silencio (1963), Las hoces y los días (1966), Voz baja (1969), Pasiono (1972) y Tetraedro (1978).
Expone Hilario Tundidor las razones de este título de Borracho en los propileos: El argumento general de este poema globaliza las connotaciones de la búsqueda
de conocimiento y la luz en la emoción de la escritura poética. La materia fundamental unitiva, organizante del libro, es la emoción existencial y sentimental del individuo ante la existencia y lo consuetudinario.

Junto a mi silencio (1963) está dedicado a su padre y a su madre. Es una lírica desconsolada, confesional y triste donde el poeta profundiza en la imagen del ser humano, en su humanidad predeterminada y frágil. Hilario Tundidor se proyecta hacia adentro en este buen poemario que descubre lo que el ser es capaz de crear y llevar hacia los demás. Con Las hoces y los días (1966) se adentra en una lírica vital que surge desde la voz, el ruido del corazón que canta y el ritmo de la existencia, así como la proyección de una necesidad proclive al optimismo y la conmoción que produce el vivir. Pero esta apariencia de luz es tenue y para el poeta es fácil caer en la nostalgia de la tristeza, sentir que el viaje de la vida sucumbe en un barco de niebla y acaso se pierda en el ruido de las palabras y no sepa si todo fue un sueño de hombre.
En Voz baja (1969) se resuelve en un humanismo de raigambre donde un creciente pesimismo se deslíe con la fortaleza de la vida, con su realidad y fulgor. Mucha ruina que crece en la destrucción mientras la esperanza de ese Dios “a lo Unamuno”, que no se materializa, aspira a su descubrimiento. Es una lírica donde se declara el júbilo a la vida y a los hombres, a pesar del olor a incienso y del ruido del mundo y la muerte que se adueña de su juventud. Una poesía reflexiva en la que se pregunta permanentemente por sí y esa existencia en la palabra.
En Pasiono (1972) el poeta se define a sí mismo y lo que hasta ahora han sido sus temas: la tierra, el miedo, la sencillez de lo humilde, la vida. Una lírica que se adentra en los paisajes de la existencia, la esperanza y la muerte desde esa construcción del trabajo del alfarero.
Tetaedro (1978) es el poemario más extenso. Lo conforman varios apartados con el nombre de libro (primero... cuarto) y un poema final y, a su vez, aquellos en otros tantos apartados donde el tema del tiempo es trascendente. El poeta, cercado y doliente, expresa desde la cercanía cálida de la tierra, la rotura vital y se pregunta si mereció la pena vivir. Antonio Machado preside el espíritu que se adentra en ese mundo que sufre y calla, se derrumba o se edifica. Pero también existe una imagen de ese JRJ de la primera etapa en la que el paisaje configura un estado de ánimo generalmente adverso.
También hay poemas críticos en los que su compromiso se agarra a la esencia de la España que sufre, conquistada por el silencio y los morteros. Y así en el poema homenaje a Luis Felipe Vivanco (“pesadumbre de este hombre bueno hasta la lentitud”) comprende el dolor de la desolación y ese tiempo de dolor que irrumpe en la historia del país, como en Asesinato de un ministro y su compromiso con la libertad.
En Tetaedro siempre existe una voluntad de construcción, de creación de una Imago mundi, con la que la mirada se encuentre definitivamente satisfecha:
“Extender la mirada, abrir/ el resplandor, heñir sombras/ fugaces, astros fugaces, inseguras/ señales, premonitorias/ situaciones”.
El segundo volumen de su poesía, titulado Repaso de un tiempo inmóvil (1980–2008), se compone de los siguientes títulos: Libro del amor para Salónica (1980), Repaso de un tiempo inmóvil (1982), Construcción de la rosa (1990), Tejedora del azar (1995) y Las llaves del reino (2000). Libro del amor para Salónica (1980) es una obra donde el amor se resiste frente al mundo. En el que solo ella importa. Pero antes hay toda una declaración de principios en un poema donde el corazón escribe su nombre, un corazón
como en el teatro del mundo en un lenguaje que busca la imagen poderosa, la sonoridad expresiva y la energía del poeta que se siente vivo, a pesar de tanta muerte.
Una lírica para sentir el vértigo del amor y la confesionalidad súbita, pero que también se alterna con las preguntas retóricas de si todo mereció la pena y si ya todo es harapiento y perdido. Las imágenes de la juventud perdida, de los iconos del amor, en el silencio o en la orilla, los cantos del corazón y la amada en plena naturaleza contemplando el silencio de la alameda. El poeta se hace dueño de un discurso experimental, acaso efímero, y juega con los verbos, como en Epifonema para una oda sin astros: “Amarte / estrujarte / aplastarte...”. Y realiza declaraciones amorosas directas, claras, ensimismadas: “Nada / sino tu amor necesito, nada”.
Repaso de un tiempo inmóvil (1982) lo inicia con ironía hablando de los poetas a los que define en sus usos, costumbres y acciones (concurren a certámenes donde su voz puede ser destruida, “mueren de tanta vida”, “son pequeños animales en disturbio”...) y después se adentra en una lírica emotiva e interiorizada que descubre su oscuridad y su
tristeza. Pero también hay una cierta búsqueda de identidades como en el poema Dentro (“Y yo soy y no soy”) y una forma de imbuirse del discurso del corazón que ruge y se adensa, y a partir de ese momento el pasado se restituye como en Oda a un tren de juguete, en el que se rememora el dolor como sentimiento que se adueña de nosotros y de nuestros fingimientos.
Construcción de la rosa (1989) se inicia con el titulado La poesía, que es una especie de vuelo de celebración sobre la mañana y la lucidez del mundo. Sigue una estructura precisa con ese poema inaugural, tres partes que titula libros (Construcción de la rosa, Hálito, Elegía) y un poema final: Niebla en Madrid. Hay una necesidad de buscar impulso en la luz y en ese juego de antítesis ocultar la sombra, enajenarla.
Pero también surge Juan de Valdés, rememorado; y la música que nace en plena naturaleza como un fruto del corazón que asciende a través de la sinfonía de las palabras en una búsqueda del ser de las cosas. En algunos poemas se presenta la nota de denuncia y en otros, como en Elegía castellana en el museo del Prado, critica esa vanidad de nada, su decrépito orgullo, a la vez que la derrota y la decadencia si se llegaba de un pasado victorioso que tanto nos recuerda a Antonio Machado y sus Campos de Castilla y a León Felipe.
Tejedora del azar (1995) está dedicado a la estulticia humana. En la explicación inicial advierte que este conjunto es una colección de poemas libres e independientes, agrupados no obstante por algunas afinidades, y declara su homenaje con ellos a Fray Luis, a quien dedica los primeros versos. Desde el inicio establece las claves de su lírica que nace de la inteligencia, pero también de su conocimiento del mundo, de la pulsión de su ser en el vuelo, en el paisaje y en la potestad de la perplejidad y el azar.
Los poemas mitológicos surgen entonces de la mano de las diosas Deméter, Atenea o de Artemisa (desde la oscuridad, desde la inteligencia o desde la inocencia primera), pero también desde la libertad conquistada o la belleza, sin olvidar la eficacia y configuración de la palabra, su sentido último, y la trascendencia de la materia.
De un clasicismo reconocible y homenajeado se deben tildar la serie de sonetos dedicados a Cuenca, Zamora... pero también a exaltar el dolor y las razones para amar la vida. Una lírica directa que se detiene en el paisaje y los grandes temas que siempre le afectaron como el tiempo, la pasión de vivir o el recuerdo de un amor; a veces con expresiones que suenan poderosas y prosaicas.
En 2000 publicó Las llaves del reino, en tres libros y Un poema para concluir ‘Un único día’. En realidad este último sería el poema–círculo que cierra su obra y pretende darle sentido al conjunto final desde su tendencia a la síntesis última.
En realidad es un encuentro con la pintura, el canto interior y la música (de la mano de W. A. Mozart). De nuevo el concepto sobre la vida nos advierte desde la cita de García Lorca en su Oda a Walt Whitman: “... y la vida no es noble, ni buena, ni sagrada”. La vida desde esa imagen inicial del agua de lluvia que penetra en el espíritu, lo deslumbra,
y advierte de la felicidad de esa movilidad vital a pesar de su invierno.
Los poemas se dirimen entre la soledad del paisaje interior y el paso del tiempo (tema permanente de su lírica) con sus espacios abiertos a la nostalgia, el sufrimiento
o la solidaridad.
Las estrellas, los árboles, la naturaleza en general comienzan siempre con una alegría, una alegría que se precipita en el vino l’âme du vin y acaso en sus grandes referentes como el francés Charles Baudelaire, T. S. Eliot o Claudio Rodríguez.
El canto a lo perdido, a lo renunciado, a ese tesoro que se va acumulando en ese río que va tomando de acá y de allá todo tipo de aportes invita a nombrar las cosas, porque en su nombramiento, en su conformación como palabras ansían su propia razón de ser, su existencia. El país de la vida es su paisaje, su alcohol, su muerte, su hazaña personal y solitaria. Hay una veta surrealista que pretende llenar un fondo vital y elegíaco sobre lo definitivo, sobre el sonido de la existencia (“Escucha todo / lo que es vivir y sus alrededores”), sobre el vacío del mundo, sobre la tierra y sus túneles. El poeta encuentra la soledad por doquier, se estremece en el bosque, oye el canto de la noche, siente frío y un caos de locura puede ocupar el naufragio vital, con sus borracheras y sus albaceas de otro reino. La alegoría del rey muerto puede ser entonces esa execrable huida hacia la tristeza, hacia los alcázares derruidos... y, en última instancia, hacia la búsqueda de la lucidez, hacia el encuentro con el conocimiento (su otra gran pasión).
El alma, en su región luciente (como diría Antonio Carvajal) siente la emoción de la existencia como un suceso común, acaso como “repetida lenta sangre / de incertidumbre”. Pasea, se busca, se queda prendida en cualquier rama de la vida, en sus triunfos y sus derrotas, en los sucesos como espacios, en el arbolado del día a día. Y sabe que es tiempo (sobre todo tiempo), tiempo con mesura, tiempo que se puede alargar en la tristeza y diluirse en las aguas de los mármoles.
En ese espacio para el vivir la música (de la mano de Mozart) puede representar la ascensión anhelada, ese bosque donde el aire escala a sus cúpulas, ese sermón que tiembla y aspira el cielo, nace de la luz, de los sonidos y engendra la música: “Apasionar la inteligencia, clarificar el orden infinito / del fuego”.
En su Poema para concluir ‘Un único día’ elabora sus conclusiones finales a través de la prosa poética y en ellas la conmemoración de las cosas sencillas lo conecta directamente con esa dialéctica renacentista, también en su precipitación hacia el hombre y sus correlatos espirituales y en sus aspiraciones últimas. Como un viaje tensado por la melancolía, como un ejercicio de contrarios, como un pensamiento que trata de hacerse hueco y resolverse finalmente.
La vida, la luz, puede ser carnívora. La luz también mata y en ese transcurso... la derrota, “como una larga caída en la desesperación”. Acaso con sentido, pero siempre con el dolor que tiene el mundo, con su estupidez, con sus teólogos, con sus profetas, con su soledad, su aurora y su conocimiento. Una poesía para la emoción, para el
encuentro con el sentido último de la existencia y la organización de las claves alegóricas o surreales que nos permiten adentrarnos en ella y darle un sentido. Una poesía con fortaleza de aire, con fortaleza de lluvia, con fortaleza de fuego, con fortaleza de tierra, de paisaje... de vida que surge en última instancia.
Tenemos la percepción de un poeta que se adentra en el lenguaje como factor creador de una lírica envolvente, apasionada, que ha cautivado por esa síntesis entre la tradición que llega desde el Renacimiento y la mejor visión de la España de la segunda mitad del siglo XX. Una lírica para profundizar en las grandes claves del ser humano y proyectar su cosmovisión en direcciones múltiples, dolientes, reflexivas, profundamente humanas, y que incita a la contemplación y a la reflexión última sobre el ser.

Novedad: El nervio de la República

2011-10-12T20:25:00.001+02:00

El nervio de la República.
El oficio de escribano en el Siglo de Oro
Eds. Enrique Villalba y Emilio Torné

Colección Biblioteca Litterae, 24. 448 p.

ISBN: 978-84-8359-214-2. PVP: 30,00 €

Litterae ha promovido, en los últimos años, el estudio de la figura y el oficio del escribano en la España de la Edad Moderna, a través de proyectos de investigación, la organización de seminarios y congresos y propiciando publicaciones sobre el tema. Fruto de estas iniciativas y gracias a la generosidad y el esfuerzo de numerosos especialistas, podemos ofrecer ahora este volumen, que hemos organizado en tres partes, atendiendo a las perspectivas más relevantes e innovadoras.
En primer término, lo relativo a las tipologías y jurisdicción del oficio de escribano, así como a su normal desempeño y los conflictos que en él se generaban. Así aparece, inevitablemente, la transgresión que, en el caso de los escribanos en el Siglo de Oro, es un tópico literario sobradamente conocido; pero, tras el tópico, no dejan de asomar frecuentes realidades de abusos y corrupción.
En segundo lugar, las relaciones políticas y sociales inherentes a los titulares de escribanías; sus vínculos con el poder y su integración social. Con esos trabajos, nos aproximamos —en otro sentido— a lo que comenta Almansa que se pretendió en la Corte en 1621; nada menos que «averiguar el modo de vivir de los escribanos».
Por último, en la tercera parte, los usos y prácticas de cultura escrita y la actividad de los escribanos generando depósitos de memoria. Es tan claro el papel de los escribanos en estos momentos de imposición de la lógica de la escritura, que se permutan los términos de referencia de la memoria. De ese modo, la comparación se invierte; así podemos leer a principios del siglo XVII que «la Memoria es un escribano que vive dentro del hombre». Es decir, sólo puede concebirse la memoria a partir del registro escrito convertido en verdad. Y el escribano es percibido, con total naturalidad, como la representación por antonomasia de ese registro escrito.

Lectura: Cecilia Quílez en la librería Cervantes de Oviedo

2011-10-08T15:44:00.005+02:00

Jueves 13 de octubre

Foro Abierto de la Librería Cervantes

Oviedo

Presentación del libro

Vísteme de largo

de Cecilia Quilez

Presenta: Guillermo del Pozo

Reseña: Mediobiografía, de Blas de Otero, en Encuentros de Lecturas

2011-10-08T09:41:00.005+02:00

Encuentros de lecturas.

Por Santos Domínguez.

Blas de Otero. Mediobiografía.

Edición de Sabina de la Cruz y Mario Hernández.
Prólogo de Mario Hernández
Colección Calambur 20 años, 1. 128 p.
ISBN: 978-84-8359-222-9. PVP: 10,00 €

Calambur acaba de cumplir 20 años. En mayo de 1991 aparecían los primeros títulos de una editorial que no tardó en convertirse en una de las referencias de la edición de poesía en español. Para celebrar estas dos décadas de literatura, Calambur ha preparado una muy cuidada colección conmemorativa con cinco libros de los autores más destacados de su catálogo.
Uno de esos títulos es Mediobiografía, una selección de 81 poemas de Blas de Otero que apareció en 1997 preparada por Sabina de la Cruz y Mario Hernández. Esos textos, representativos de la extensa producción del poeta y sabiamente seleccionados por las dos personas que mejor conocen su obra, trazan una autobiografía de Blas de Otero a través de las circunstancias vitales e ideológicas que reflejaron sus libros, desde Ángel fieramente humano hasta Hojas de Madrid con La galerna. Mediobiografía toma su título del que se ha elegido como poema inaugural de la selección, un texto en prosa de Historias fingidas y verdaderas que comenzaba así:
El niño está en la terraza contemplando un gato azul. El cielo se mueve como una barca. Desde la calle asciende el tintineo de los tranvías y una voz que pregona ¡El Nervión..., La Tarde! El niño se apoya en el barandal de la terraza que hace esquina a la plaza de Isabel II. El cielo es de color naranja; abajo suena la bocina de un auto, una voz aguardentosa chilla ¡Informaciones.., maciones! El niño se rasca la nariz junto al estanque del Retiro. Un anciano señala con su bastón la estatua de Alfonso XII. El aire pasa con traje marinero y un molinillo de papel verde, amarillo, blanco. En un puesto de chucherias se agitan Crónica, Gutiérrez, Pulgarcito... El niño va al colegio, baja por Fernández del Campo y llega a Indauchu con dolor de estomago; en la capilla siente ganas de vomitar.

Pero más allá de esa condición autobiográfica, esta antología ofrece un recorrido por sus múltiples registros estilísticos, por su variedad temática y por las distintas propuestas estróficas que exploró en su obra poética, desde el metro clásico hasta la forma popular y desde el verso libre hasta poemas en prosa como ese Mediobiografía, que terminaba así:
El niño cruza la carretera de Benicarló, a la mañana siguiente sube la plaza de Torrevieja, en un rincón tres moros están sorbiendo té. El color de la guerrera del niño es muy parecido al del té de esos moros. Cuando llega el camión, al niño le duele el estomago y por la noche vomita un gato azul. El cielo es de color indefinido, el niño esta llorando en la terraza, sabiendo todo lo que le espera.
Esa variedad contrasta con la unidad que le otorga a los versos de Blas de Otero la autenticidad de una de las voces imprescindibles de la poesía española del siglo XX.

http://encuentrosconlasletras.blogspot.com/2011/09/blas-de-otero-mediobiografia.html

Reseña: Futuralgia, de Jorge Riechmann, en El Cultural

2011-10-06T22:39:00.002+02:00

El Cultural, viernes 30 de septiembre

por Túa Blesa

He aquí reunida por fecha de redacción la poesía de Jorge Reichmann (Madrid, 1962) escrita entre 1979 y 2000, incluidos algunos textos inéditos hasta ahora, lo que da un conjunto voluminoso y de todo interés. Reichmann es poeta bien conocido autor de libros como Conversaciones entre alquimistas y Rengo Wrongo, por citar algunos de entre ellos, y se le deben además no pocos ensayos sobre cuestiones sociales o políticas, según se prefiera, que viene a ser la contrapartida de sus ejercicios poéticos. En este sentido, las páginas de Pedro Provencio que sirven de presentación son certeras. Pero se engañará el lector poco avisado si identifica poesía política por poesía escasamente poética. Baste advertir que Reichmann es un reconocido traductor y comentarista de la obra de René Char, uno de los grandes, lo que en sí mismo es ya todo un síntoma.
La palabra escogida para nombrar este conjunto, “futuralgia”, deja lugar a pocas dudas: hay un dolor del futuro y lo hay porque el presente es un presente enfermo, si es que no conviene más decir que en estado de coma. Y es así, según la mirada de Reichmann –pero ¿cómo es que no es la visión de todos?– por la explotación: la explotación de los débiles por los poderosos, el beneficio ante todo cueste lo que cueste, y no menos la explotación, sobreexplotación mejor, del planeta, del mar, de la tierra y sus bienes con lo que la ecocrítica tiene en estas páginas materiales imprescindibles. Todo ello lleva irremediablemente a la erosión –Cántico de la erosión tituló uno de sus libros–, la usura de la que habló Pound, tan distante por tantos otros motivos. La voz, o las voces, de esta poesía ve el desmoronamiento a su alrededor, también el de la dignidad humana, pero, como se lee en uno de los poemas, “Lo que me destruye / corrobora mi identidad.”

Y de esta reafirmación, problemática como le corresponde a un poeta moderno, Reichmann continúa su alegato, poético no se olvide, contra las múltiples formas del mal. Un mal que actúa también en la trivialización de la poesía y al respecto léase, por ejemplo, “Sobre la dicha y el ombligo”, comentario explícito de tanto poema (?) banal que circula y, ay, con no poco éxito. Además de que está en juego –y a punto de caer en la peor de las casillas– el mundo, la vida, lo está la verdad. Una verdad, verdad de mundo, verdad poética, que recorre toda esta escritura: dignidad de la palabra, dignidad del hombre son sus valores ciertos. Y hay ocasión para otros tonos, como cuando se nombra la vida como “fugaz / constelación de brasas” o se lee “La lengua azul de la mañana / se me posa en la piel” o se canta al cuerpo, al paisaje o, en fin, al amor, sobre lo que Provencio tiene atinadas palabras.
La poesía española actual sería otra, más pobre, sin la escritura de Reichmann.

Guadalupe Grande en el Festival Inverso 2011

2011-10-05T10:25:00.004+02:00

Guadalupe Grande en el

Festival Inverso 2011:

III Festival de poesía independiente

Madrid. Sala Clamores.

Sábado 8 de octubre.

20.00 h.

C/ Alburquerque, 14. 28010 Madrid

www.inverso2011.blogspot.com

Noticia: Calambur en LIBER 2011. Madrid, 5-7 octubre

2011-10-04T17:55:00.006+02:00

LIBER,

la Feria Internacional del Libro, tendrá lugar del 5 al 7 de octubre en el pabellón 6 de la Feria de Madrid (IFEMA), de 10.00 a 19.00 h., con Rumanía como país invitado de honor.

Nos podréis encontrar en el stand E10, del Gremio de Editores de Madrid, donde estaremos encantados de charlar con vosotros.

www.ifema.es/ferias/liber/default.html

Novedad: Sesenta y cuatro caballos, de Antonio Pereira

2011-10-03T19:04:00.005+02:00

Antonio Pereira

Sesenta y cuatro caballos
Selección de Úrsula Rodríguez Hesles. Prólogo de Juan Carlos Mestre.
Colección Calambur 20 años, 3. 144 págs.
ISBN: 978-84-8359-228-1. PVP: 12,00 €

Antonio Pereira nombraba lo que importa, la condición de cuanto alegre hace causa con lo luminoso. A nadie que haya leído alguno de sus libros le habrá resultado indiferente la emoción compasiva con que subraya cada una de sus líneas la peripecia humana.
Juan Carlos Mestre

Antonio Pereira (Villafranca del Bierzo, 1923 - León, 2009) se dio a conocer como poeta, aunque pronto le siguió su labor narradora; y de la simbiosis de ambas formas de escritura consiguió extractar con su inteligente humor y delicada socarronería cuentos y relatos, todos ellos poéticas piezas de cuidada expresión a la altura de los grandes narradores universales de lo breve. No en vano, cada vez es más frecuente que se reclame su figura entre aquellos lectores y creadores del microrrelato, que ven en su obra uno de sus solitarios precursores. Pereira es uno de esos artistas que, distante de posturas academicistas y casi sin proponérselo, dejó humildemente un legado cuyo radical magisterio consistió en descubrirnos la natural precisión semántica y emocional con la que nos hablan las palabras cuando éstas son el verdadero hogar de lo que se cuenta. Esta antología, que toma su título de uno de los poemas de Antonio Pereira, ofrece un selecto paseo por una obra urdida con un original y sutil talento poético-narrativo.

Como adelanto, les ofrecemos los poemas que abren y cierran la antología:

SESENTA Y CUATRO CABALLOS

Los Pereira (o Pereyra) que salen en las enciclopedias heráldicas se nos hacen algo molestos a quienes somos sus parientes de la rama pobre, y es por lo tacaños y esa manera que tienen de saludar, como si diesen los buenos días desde encima de la montura.

Ellos descienden derechamente de don Gonzalo Pereira, pero poco se parecen al antepasado dadivoso.

Lo escribió Pedro de Bracelos: Que teniendo el don Gonzalo treinta y dos caballos, en un solo día regaló todos a distintas personas. La cosa huele a invención y adorno.

Pero sigue la Crónica con que en ese mismo día los volvió a comprar don Gonzalo, aquellos treinta y dos caballos, para así poder regalarlos a otras tantas personas de su estima, y entonces el caso se hace creíble, porque a los bebedores del anochecer nos resulta más fácil aceptar lo enorme que lo mediano.

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ORACIÓN

Señor ya sabes mis cuidados con el butano y los grifos

todo lo cierro bien pero es difícil desentenderse

inspecciono la antena

las macetas con tantas criaturas que por debajo pasan

sufro mucho Señor

y aunque te agradezco no haberme hecho cirujano

ni conductor del autobús escolar

te pido que un ratito te quedes responsable

que aguantes todo esto mientras voy a un recado

y cualquier día no vuelvo.

Lecturas: Futuralgia, de Jorge Riechmann, en Huelva y Córdoba

2011-10-02T09:03:00.004+02:00

Dentro del ciclo Letras Capitales, el Centro Andaluz de las Letras ha programado dos lecturas de

Futuralgia (Poesía reunida 1979-2000),

de Jorge Riechmann.

Huelva.

Biblioteca Pública Provincial.

Lunes 3 de octubre.

20.00 h.

Córdoba.

Delegación Provincial de Cultura.

Martes 4 de octubre.

20.00 h.

Jorge Urrutia en La estación azul

2011-09-29T08:27:00.004+02:00

En La estación azul de RNE1, Jorge Urrutia lee poemas de Ocupación de la ciudad prohibida y Javier Lostalé comenta este libro. A partir de los minutos 32:40 y 49,20.

http://www.rtve.es/alacarta/audios/la-estacion-azul/estacion-azul-17-09-11/1198150/

Reseña: Los aerolitos, de Carlos Edmundo de Ory, en Encuentros de Lecturas

2011-09-28T09:15:00.003+02:00

Encuentros de Lecturas. Por Santos Domínguez.

Carlos Edmundo de Ory. Los aerolitos.

Prólogo de Félix Grande.

Calambur 20 años. Madrid, 2011.

Nietzsche los llama: sentencias y dardos.
Novalis los llama: polen.
Baudelaire los llama: cohetes.

Joubert: pensamientos, Cioran: pensamientos estrangulados, y Andrei Siniaski: pensamientos repentinos.

Rozanov: hojas caídas, y René Char: hojas de Hypnos.

Malcolm de Chazal: sentido-plástico, y Louis Scutenaire: inscripciones.

Antonio Porchia los llama voces, y yo aerolitos.

En la espléndida colección conmemorativa de sus veinte años, Calambur, publica Los aerolitos, de Carlos Edmundo de Ory, una amplia antología de sus textos más característicos. Seleccionados por su autor y prologados por Félix Grande, son chispazos verbales, relámpagos escritos desde el asombro y la inocencia de una mirada inaugural (soy un sabelonada) o desde el desengaño que no se permite el patetismo. Beligerantes o celebratorios, en los aerolitos conviven la risa y el llanto (Mis muletas: el espanto y el humor), el fulgor y la noche, el juego y el fuego, lo admirable y lo preocupante, como señala Félix Grande en su prólogo Aerolitos delfines.

Mi oficio es encender llamas, escribe en uno de ellos Ory. Entre la revelación verbal y el aullido del lobo en la noche, entre el calambur y la metáfora, los aerolitos son fuegos de palabras de quien, mano a mano con la nada, es testigo de la dolorosa felicidad del hombre, de quien hizo del desierto su patria, hablaba de usted a los árboles y pobló con la duda su única certeza.

Porque Ory se veía a sí mismo como un limpiabotas del verbo y veía el mundo como una fábrica de lágrimas, pero sabía también que un poema es la autobiografía del sueño y que la poesía es un vómito de piedras preciosas.

http://encuentrosconlasletras.blogspot.com/2011/09/ory-los-aerolitos.html

Reseña: KRAK, de José María Millares Sall, en Abc Cultural

2011-09-26T23:32:00.007+02:00

ABC Cultural. Sábado 24 de septiembre de 2011.
Luis García Jambrina

****
Hace un año, José María Millares Sall (Vegueta, Las Palmas de Gran Canaria, 1921-2009) obtenía, póstumamente, el Premio Nacional de Poesía por su Cuadernos (2000-2009) (Calambur, 2009). Aunque demasiado tardío, teniendo en cuenta, además, que el autor había comenzado a publicar en los cuarenta, se trataba de un acto de justicia poética que contribuía a rescatar del olvido la obra de un poeta realmente innovador. Ya en 2008, Calambur había recuperado una de sus obras más significativas, Liverpool (1949). Krak es un libro inédito fechado en febrero de 2009, unos meses antes de morir.

En el mismo no queda claro quién o qué es esa extraña criatura poética llamada Krak, que da unidad a todo el libro. A mí se me antoja una especie de daimon profano; un espíritu caótico, maligno y protector a la vez; una suerte de doble o voz de la conciencia del yo lírico que con frecuencia lo acompaña; un ser, en fin, ambiguo, contradictorio, burlón, lúdico, escatológico, tenebroso, inestable, proteico, polimórfico, en continuo movimiento y transformación. Por otra parte, estos versos parecen escritos desde las postrimerías de la vida y desde la conciencia de la proximidad de la muerte; con la ruina, la vejez y el deterioro como telón de fondo. De ahí que el resultado sea un balance o ajuste de cuentas del yo lírico con el mundo, consigo mismo, con la Historia (hay alusiones a Franco, la censura y la posguerra) y con la propia poesía (hay zarpazos contra modas y modos poéticos).

Verso roto
Formalmente, es un poema único dividido en 23 fragmentos, escritos en verso libre y carentes de puntuación, lo que acentúa su ambigüedad. Todos terminan, además, en un verso roto y separado del resto. Pero lo más importante es la singularidad de su escritura, que podríamos caracterizar como crítica, irónica y provocadora, y, al mismo tiempo, visionaria, surrealista y experimental. Una poesía vigorosa y arriesgada, llena de libertad expresiva y vitalidad creadora, a pesar de haber sido escrita a los 88 años.